이탈리아 오페라의 특징은 무엇입니까?

1..1597 이 상연한 첫 오페라: 다프네, 리누치니 작가, 페리 작곡. 이 작품의 음악은 단편일 뿐이기 때문에 사람들은 보통 1600 에서 상연되고, 그대로 유지되고, 리누치니가 극본, 페리, 카치니가 작곡한다.

2. 초기 오페라의 특징: 극본은 그리스 신화 기반, 나중에 역사적 소재에 가입했다. 음악 부분은 저음을 통주하는 형식이고, 노래 부분은 주로 낭송하는 형식이다. 음역이 넓지 않고 리듬이 자유로우며 소량의 악기 반주가 있고 합창도 한다.

로마 오페라:

1. 대표적 인물과 작품: 로마 작곡가 카발레리 (약 1550- 1602) 가' 아니마의 기도' 를 창작했다 영과 고기의 화신은 실제로 역사가들에 의해 청창극으로 여겨지며 오페라의 초기 형태를 갖추고 있으며 종교 도덕을 포함한다.

2. 특징: 멋진 오페라 장면의 쾌감을 중시하고 화려한 무대 디자인, 기관 세트, 발레 장면을 추가해 각 장면은 합창과 춤으로 끝난다.

베니스 오페라 하우스:

1. 첫 오페라 하우스 설립: 산카시노 (Saint cassiano) 1637 년 베니스에 설립된 첫 오페라 하우스는 귀족 살롱과 궁정에서 시민으로의 오페라 전환이다.

2. 대표적 인물과 작품: 1607 년 베니스 오페라 작가 몬트윌디가 오페라' 오FLO' 의 창작을 완성했고, 오페라의 주제는 레오누치니의' 오로디케' 와 비슷하다. 극중 몬트베르디는 풍부한 목가와 종교음악 창작 경험을 바탕으로 16 세기 음악보고에서 다양한 수단을 조합하여' Flo' 를 오페라사 최초의 진정한 오페라로 만들었다.

3. 특징: 오페라에서 아리아와 듀엣을 대량으로 사용하고, 감정 표현에 집중하고, 미성창법을 중시하며, 합창을 거의 사용하지 않는다. 현악기 가문이 처음으로 중요한 자리를 차지하면서 음악의 표현력을 강화했다.

나폴리 오페라 하우스:

1. 오페라 방향 발전: 나폴리는 이탈리아 오페라 발전의 마지막 도시로 17 년 말부터 18 세기로 정형화된 세리아 오페라로 그 영향은/Kloc-0 까지 이어졌다 허구의 역사나 영웅적 사적을 소재로 하고, 미성에 대한 추구로 남성의 강력한 폐활량과 여성의 부드럽고 밝은 음색을 가진' 내시' 가수들이 인기를 끌고 있다.

2. 대표인물과 작품: 나폴리음악학파의 대표인물인 알레만드로 스칼라티 (1660- 1725) 는 성악 서정적인 기초 위에서 자유롭게 발전하는 아리아를 만들어 미성창법에 넓은 시전 공간을 주었다. 대표 인물은 테오도라입니다.

특징 (오페라의 특징이기도 함):

1) 내용상 고대 신화 및 역사적 전설을 소재로 한 내용이 진지하고 코미디와 대조된다.

2) 구조적으로 원래의 5 막 오페라는 콤팩트한 3 막 구조로 바뀌었고, 막과 막 사이에 희극적인 간주 (Intremezzo, 무대 입구에서 공연) 를 자주 삽입한다. 그것은 매우 독특한 서곡 (빠름-느림-빠른성부 형식) 으로 시작되며, 선서조와 등을 맞댄 아리아가 번갈아 진행되며 듀엣과 합창도 거의 사용되지 않고 춤도 없다.

3) 두 가지 다른 낭송: 하나는 긴 대화나 독백에 쓰이는 건낭송이고, 독창 부분은 저음 반주만 통주한다. 또 다른 하나는 반주가 있는 선서조로 복잡한 감정을 표현하는 데 능하며 연극 긴장 장면에도 쓰인다. 독주는 악대가 반주한다.

4) 아리아를 회상한다: 이 아리아는 아바 삼성부 곡식이다. 작곡가는 일반적으로 재현된 A 단을 쓰는 것을 멈추고 B 단 끝에만 da capo 를 표시한다. 처음부터 반복하는 것을 의미하고,' 시작으로 돌아가기' 를 가장하고, 끝에 Fine (끝) 을 표시한다는 뜻이다. (알버트 아인슈타인, 작곡가, 작곡가, 작곡가, 작곡가, 작곡가, 작곡가) [이 단락 편집] 17 연말 오페라의 발전, 로마에서 가장 영향력 있는 것은 어느 것입니까? 6? 1 스칼라티를 대표하는 나폴리 오페라파. 이 파벌은 극중 합창과 발레 장면을 사용하지 않고 후세 사람들이' 미성창법' 이라고 부르는 독창 기술을 고도로 발전시켰다. 이런' 가수에만 집중하라' 는 스타일이 극단으로 치닫고 있을 때 오페라의 원래 극적인 표현과 사상적 내포는 거의 없어졌다. 이에 따라 18 의 1920 년대에는 일상생활을 소재로 하고, 줄거리가 유머러스하고, 음악이 소박한 Xi 희곡 유파가 등장했다. 이탈리아 희오페라의 첫 대표작은 파그레시의' 주부로서의 하녀' (초연 1733) 로 오페라의 에피소드였다. 1752 년 파리에서 공연할 때 보수파의 비방을 받아 오페라 역사상 유명한' 희가극 대토론' 을 불러일으켰다. 루소가 창작한 프랑스 최초의 코미디 오페라' 마을 점쟁이들' 은 이 토론과 이 오페라의 영감을 받아 탄생했다.

이탈리아 오페라는 우선 프랑스에서 개조되어 프랑스 민족 문화와 결합되었다. 여리는 프랑스 오페라 ('서정적 비극') 의 창시자이다. 그는 프랑스어와 긴밀하게 결합된 독창 멜로디를 창작했을 뿐만 아니라 발레 장면을 오페라에 먼저 적용했다. 영국에서 퍼셀은 자신의 가면 연극 전통을 바탕으로 최초의 영국 민족 오페라' 디동과 이니아스' 를 창작했다. 독일과 오스트리아에서는 하이튼, 디트도프, 모차르트 등이 민간 오페라를 데오 민족 오페라로 발전시켰는데, 그중에는 모차르트의' 마술 피리' 가 있었다. 18 세기까지 글루크는 오페라에 깊은 내용이 있어야 한다고 주장했다. 음악과 연극은 통일되어야 하고 공연은 단순하고 자연적이어야 한다. 그의 사상과 작품은' 오플로와 오로디케' 와' 오리드의 에피지니' 와 같은 이후 오페라의 발전에 큰 영향을 미쳤다.

19 세기 이후, 이탈리아의 오페라 대가는 G 로시니, G 윌디, G 푸치니, 독일의 R 바그너, 프랑스의 G 비재, 러시아의 M.I 그린카, M.P 무솔스키였다. 작은 오페라는 18 세기에 형성되어 이미 독립된 장르로 발전하였다. 구조가 짧고 음악이 통속적이며 독창, 듀엣, 합창, 춤 외에도 통속 영어를 사용하는 것이 특징이다. 오스트리아 작곡가 소벨과 독일 출신의 프랑스 작곡가 오웬 바흐는 이 장르의 창시자이다.

20 세기 오페라 작곡가 중 리처드 슈트라우스 (Salome, der rosenkavalier) 는 바그너의 영향을 받은 초기 대표였다. 제 1 차 세계대전 후, 무조성의 원칙을 오페라 창작에 적용한 것은 버저 (워제크) 였다. 1940 년대부터 스트라빈스키, 프로코피예프, 미월, 마노티, 바비에, 올프, 야나스 델라, 헨저, 무어, 영국의 유명한 작곡가 브리튼이 잇따랐다. [이 단락 편집] 오페라 노래 분류

가수가 맡은 역할은 그들의 다른 기교, 유연성, 힘, 음색에 따라 분류된다. 남자 가수는 낮음부터 높음까지 저음, 바리톤, 테너, 테너/테너로 나눌 수 있다. 여가수는 낮음부터 높음까지 여성 저음, 소프라노, 소프라노로 나뉜다. 소프라노는 또한 화강 소프라노와 서정 소프라노로 세분화될 수 있다. 기본적으로 남성성의 음역은 모든 여성성보다 낮지만, 일부 가성 테너는 중음의 음역까지 부를 수 있다. 가성 테너 창법은 고대에 쓴 내시가 부른 배역에 많이 나타난다.

음역별로 분류한 후, 서정 소프라노, 연극 소프라노, 엄숙한 소프라노 (soprano spinto), 소프라노 소프라노 (soprano coloratura), 소프라노 soubrette 등과 같은 노래에 관한 형용사가 자주 추가된다. 이러한 용어는 사운드를 완전히 설명할 수는 없지만 서로 다른 사운드를 분류하여 서로 다른 캐릭터에 넣는 경우가 많습니다. 어떤 가수들의 목소리는 갑자기 큰 변화가 일어나거나, 30 대 또는 중년이 되면 성숙하고 화려한 상태에 이르게 된다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 음악명언)

소리 분류의 활용

소프라노는 항상 대부분의 오페라 여주인공에게 최고의 선택이었다. 하지만 클래식 음악 시대 이전에는 소프라노의 첫 번째 요구는 오늘 요구한 넓은 음역이 아니라 음성제어 기술이었다. 당시 소프라노의 최고음은 종종 고음 A[2 1] 를 넘지 않았다. 바리톤이라는 단어는 비교적 새로운 개념이지만, 퍼셀 작품의 디도, 바그너의' 트리스탄과 이솔드' 의 브랜과 같은 많은 캐릭터들이 연기할 수 있다. Ne)[22]. 베이스가 부를 수 있는 캐릭터는 왕왕 비교적 적다. 전문가들은 베이스가' 마녀, 창녀, 바지' 만 부를 수 있다고 농담을 많이 한다. 최근 몇 년 동안, 저음이나 내시가 부른 많은 캐릭터들이 가성 테너의 주머니 속의 물건이 되었다.

한편, 클래식 음악 시대 이후 테너는 줄곧 오페라의 주역이었다. 가장 도전적인 테너 캐릭터 중 상당수는 미국 오페라 시절, 이를테면 도니체티가' 정권의 딸' 의 주인공을 위해 쓴 9 개의 고음 C 와 같은 미국 오페라 시대에서 나왔다. 바그너는 그의 테너 주인공이 일반 테너보다 더 무거울 것을 요구했고, 심지어 새로운 단어' Heldentenor' 를 발명시켜 이런 캐릭터를 묘사하게 했다. 이탈리아 오페라의 역할도 바그너의 요구에 해당한다. 예를 들면 푸치니의' 투란도' 에 있는 카라프와 같다. 베스는 오랜 역사를 가지고 있다. 희곡 시대에, 그것은 조연 역을 맡았는데, 왕왕 웃긴 캐릭터로 관중을 즐겁게 한다. 베스가 연기할 수 있는 역할도 많다. 예를 들면 모차르트의 돈 후안의 리 폴리로, 바그너의' 니벨론겐의 반지' 에 있는 바탄 국왕이다. 테너와 베이스 사이에는 바리톤이 있는데, 이 개념은 19 세기 중엽에야 나타났다. 모차르트의' 여자' 에 나오는 골레모와' 돈 카를로' 의 로디오와 같은 유명한 인물들이 있다. [이 단락 편집] 성악 오페라의 성악 부분에는 독창, 듀엣, 합창이 포함되며 가사는 극중 인물의 대사다 (스타일에 따라 말할 수도 있음). 기악은 보통 전극 시작에 전주나 서곡이 있고, 초기 오페라에도 헌정 전주곡 (성악 포함) 이 있다. 각 장면에서 기악은 노래의 반주일 뿐만 아니라 계승 역할을 한다. 장면 사이에는 종종 산재 된 부분이 있거나 각 장면에는 자체 서곡이 있습니다. 춤도 연극의 진행과정에 삽입될 수 있다. 오페라의 음악 구조는 상대적으로 독립된 음악 단편으로 구성되거나 연속적으로 발전하는 통일구조일 수 있다.

오페라에서 중요한 성악 스타일은 낭송, 아리아, 아리아, 낭송, 듀엣, 합창을 포함한다. 그 장르 스타일에는 오페라, 희오페라, 대오페라, 작은 오페라, 경오페라, 음악코미디, 실내오페라, 뮤지컬 등이 있다.

아리아

아리아는 오페라에서 주인공이 감정을 표현하는 주요 아리아이다. 그들의 음악은 매우 듣기 좋고, 구조도 비교적 완전하여 가수의 발성 기교를 보여줄 수 있다. 그래서 우리는 종종 콘서트에서' 나비 부인' 의 아리아' 햇빛이 찬란한 날',' 다화녀' 의 아리아' 내 마음이 왜 이렇게 설레는지',' 임샤웨이의 아리아' 내 마음 속에 소리가 난다' 와 같은 소리를 듣는다.

외우다

선서조는 줄거리가 전개되는 단락으로, 이야기는 왕왕 선서조 속에서 전개된다. 이때 인물 대화가 비교적 많다. 이런 단락은 합창하기에 불편하기 때문에 선서조로 불리는데, 경극의 압운과 매우 비슷하다. 경극에서는 청의나 소성, 또는 진부한 표현이 모두 과장된 음성어조로 읊조리고 있다. 멜로디는 별로 없지만 도백이 앞뒤의 창곡과 쉽게 연결되도록 할 수 있어 서양 오페라의 낭송과 비슷한 역할을 한다. 유럽 오페라의 초기 선서조는 매우 노래를 부르지 않는 것으로,' 간선서조' 라고 불린다. 보통 고대 피아노로 화음을 한 곡조로 연주하는데, 가수들은 이 곡조로 많은 동음자로 반복해서 서술한다. 이 동음자를 중국어로 반복해서 번역하는 것은 듣기 어렵다. 왜냐하면 중국의 언어에는 네 개의 억양이 있기 때문에, 우리 중국은 평조로 부를 수 없다. 오늘 밥 먹었니? 재미있을 것 같아요. 그래서 우리가이 "마른 암송" 을 만났을 때, 우리는 단순히 랩을 벗고 대화로 바꿨습니다. 하지만 19 세기에는 오페라가 점점 선율화되면서' 다화녀',' 카르멘' 등의 오페라를 부를 때 선서조를 중국어로 번역했다. 약간의 멜로디로 우리는 멜로디에 맞는 네 개의 중국어 음을 찾을 수 있다.

두 명 이상의 가수의 합주

듀엣은 몇 가지 다른 캐릭터들이 자신의 특정 감정과 연극 줄거리에 따라 동시에 노래를 부르는 것이다. 두 사람이 동시에 부르는 것을 듀엣이라고 한다. 때때로 지지와 반대 의견의 역할은 한 작품으로 조직된다. 아마 삼중주, 사중주, 오중주일 겁니다. 로시니의' 세비야의 이발사' 에는 6 중주가 있고, 모차르트의' 피가로의 결혼식' 에도 6 중주가 있다. 십여 명이 함께 노래하는데, 때로는 한 조의 그룹이기도 하다. 한 무리의 서너 명이 각자 자신의 의견을 표현하는데, 어떤 사람은 피가로를 동정하고, 어떤 사람은 백작을 동정하고, 어떤 사람은 농담을 본다. 이 작곡가는 걸출하다.

또 다른 형식은 대중 장면의 합창이다. 앞서 언급했듯이 줄거리 요구 사항에 따라 남성, 여성, 남녀 혼합성 또는 동음이 될 수 있다.

오페라에는 이야기가 있고, 노래에는 가사가 있으며, 가사는 음악, 연극의 발전과 밀접한 관련이 있다. 그래서 중국에 서양 오페라를 도입한 것은 통역을 통해서인가, 아니면 원문을 노래함으로써' 본래의 맛' 을 유지하는 것이 더 좋을까? 줄곧 두 가지 의견이 있는데, 각자 천추를 가지고 있다. 중화인민공화국이 성립된 후 우리나라 희곡 종사자들은 서구 오페라를 도입할 때 번역 방면에 많은 노력을 기울였다. 여기에 중요한 문제가 있습니다. 문학 언어는 번역이 잘 되어야 할 뿐만 아니라, 음악과 어울릴 때 음악의 법칙에 부합해야 하며, 청중을 편안하게 하고 받아들여야 한다는 것입니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 음악명언) 이것은 학문이자 매우 어려운 임무이며, 음악적 소양이 높은 번역가나 번역가와 음악가의 협조가 있어야 잘 할 수 있다. 제 개인적인 견해는 관객이 연극을 보러 온 이상 사람들이 이해할 수 있도록 해야 한다는 것입니다. 중국에서 서양 오페라를 도입할 때는 사람들이 수시로 오페라 음악의 줄거리와 드라마를 쉽게 이해하고 노래와 공연의 공연을 감상할 수 있도록 중국어로 번역하는 것이 좋다. 적어도 우리 중국 관객들은 우리 뮤지션들이 서양 오페라의 매력을 정말로 알리고 싶어한다는 것을 느낄 수 있다. 요 몇 년 동안의 사회 패션은 원문에 중국어 자막으로 노래하는 것이다. 우리 배우들이 원문을 부르는 수준을 보여줄 수 있고, 외국 대리인에게 끌릴 수도 있고, 외국 공연에 초청될 수도 있지만, 내가 알기로는 서양 오페라의 수용 범위가 더 멀고, 대중의 면목이 더 좁아지는 것으로 알고 있다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 모두가 그것을 잊을 것이라고 생각할 것입니다. 어차피 너도 우리가 이해하게 하고 싶지 않아. 게다가 일부 배우들의 원문 수준은 높지 않지만, 사실 아무도 이해할 수 없다.

일종의 연극 형식. 음악이 있는 연극 텍스트 (가사) 로 구성되며, 노래를 부를 때 보통 음악이 동반된다. 독창자, 가수, 합창단, 음악가를 제외하고 오페라 공연에는 종종 처음부터 무용수들이 포함되어 있다. 5 세기 동안, 이 복잡하고 값비싼 음악, 연극, 오락 형식은 청중들의 사랑을 받아 왔다. 다른 연극 형식과의 뚜렷한 차이점은 그 대사가 글이 아니라 노래로 표현된다는 것이다. 경오페라, 뮤지컬 코미디 등 뮤지컬과 차별화되는 점은 작품의 심각성, 구조의 엄밀성, 반음의 심각성에 있다.

고대에는 시극과 음악을 결합한 작품이 있었다. 고대 그리스 극작가 에스쿠로스, 소포클레스, 오리피데스는 그들의 연극에서 합창을 사용했다. 중세에는' 성경' 을 블루본으로 한 종교극 (예: 기적극, 기적극) 이 일반적으로 일종의 음악을 갖추고 있다. 이것들은 물론 다른 음악과 연극 형식도 오페라의 전신으로 여겨질 수 있다. 오페라는 16 연말에 이탈리아 피렌체에서 제작되었습니다. 첫 번째 오페라' 다프네' 는 르네상스 시대의 전원시인 오타비오 리누치니와 야그브 페리가 창작한 것으로 이미 전해지지 않았다. 현존하는 최초의 오페라 극본' Euridice' 도 그들의 작품이다. 그러나 두 오페라의 아버지 작품은 장르와 구조 모두에서 탐구성을 가지고 있다. 약 10 년 후 클라우디오 몬트웰디의 오페라 대표작' 파블라 도르피오' 가 나왔다. 그 중에서도 기악 반주가 극적인 요소가 되었다. 당시 오페라의 소재는 그리스 로마 신화, 전설, 허구의 역사 이야기였다.

오페라 하우스

1637 년 세계 최초의 오페라 하우스인 산타카시노 오페라 하우스 (Teatro di San Cassiano) 가 베니스에 완공되어 일반 관객들에게 개방되면서 오페라가 왕실과 귀족에 의해 독점되는 시대가 끝나면서 오페라의 발전을 크게 촉진시켰다. 프란체스코 카발리는 몬트베르디의 학생이며 이 시대의 가장 유명한 오페라 작곡가이다. 그는 1639 년부터 1669 년까지 베니스 오페라하우스를 위해 약 40 편의 오페라를 창작했는데, 그중 가장 유명한 것은' 지아송' 이다. 카팔리와 동시대의 이탈리아 오페라 작가 피에트로 안토니오 체스티도 많은 오페라를 썼는데, 그중 가장 유명한 것은' 7 박' 이다. 17 세기 중엽 이후 베니스 오페라라는 유파가 쇠퇴하기 시작했는데, 여전히 재능이 넘치는 작곡가들이 여느 때와 같이' 오페라의 아버지' 로 불리는 갈루피와 같이 몇 명 있다.

로마와 같은 이탈리아의 다른 도시들은 곧 자신의 지방 연극을 발전시켰다. 베네치아와는 달리 로마의 오페라는 무대의 거창함을 강조하지 않고 코믹한 에피소드로 전극의 비극적인 분위기를 약화시키고 악기의 서곡과 서곡식의 간주악장을 중시하는 것을 선호한다. 로마에도 빌 길리오 마조키 마르코 마라졸리와 같은 유명한 오페라 작가들이 많이 있었는데, 그는 최초의 완벽한 오페라' 치소프 스페리' 를 썼다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라)

18 세기에 이탈리아 오페라 센터가 나폴리로 이주하면서 각종 오페라 유파가 잇따라 등장해 이탈리아와 많은 외국 오페라 활동 센터에 영향을 미쳤다. 그 중점은 음악이 가사에 복종하게 하여 사람들이 알아들을 수 있게 하는 것이다. 가사 작가 제노와 메타스타치오가 이것에 기여했다. 오페라의 아리아, 특히 삼성부 아리아가 주도적인 지위를 차지한다. 나폴리 오페라와 조화는 간단하고 멜로디는 경쾌하며 로코코 스타일의 화려한 기조를 가지고 있다. 대표 작가로는 알레산드로 스칼라티, 볼보라, 핀치, 레오가 있다.

1720 년 베네치아 마르셀로 (Venetian Marce Marcello) 는 "현대 연극, 이탈리아 오페라를 창작하고 공연하는 만유의 방법" (Il teatro alla moda) 을 썼습니다. Osia me todo sicuro e eas ible per Ben compro re ed ese guire opera italiane in musica

17 세기에 독립된 풍자코미디 오페라가 발전하기 시작했다. 처음에는 오페라의 장면 사이에 자주 끼어든다. 성숙한 과정에서 정통 극종의 엄숙한 정서의 특징을 회복하여 많은 만담을 반반반하게 했다. 세르비아의 이발사',' 피가로의 결혼식',' 결혼' 은 이 시기의 대표작이다.

오페라는 1650 년 전전 프랑스에 입단했고, 첫 프랑스 오페라' 보몽' 은 167 1 년 왕립음악학원 (현재 파리 오페라하우스) 개막식에서 초연됐다. 하지만 조반니 바티스타 여리가 살던 시대에야 오페라가 진정한 프랑스 예술이 되었다. 이탈리아인 로리는 파리에 가서 프랑스 연극과 발레의 특징을 빌려 프랑스 오페라를 창작했다. 그는 이탈리아 아리아를 좋아하지 않고 짧고 활발한 노래로 대체한다고 주장했다. 그는 프랑스 코미디단의 낭송에 따라 낭송을 개혁해 프랑스 서곡을 발전시켰다. 루리의 스타일은 장 필리페 라모의 오페라에서 절정에 달했다. 그의 주요 작품으로는' 이보 박정수 아리치' 가 있다.

1627 년 오페라가 독일과 오스트리아에 도입되자' 민간 오페라' 가 일어나 모차르트, 헨델, 베토벤 등 오페라 작가들이 등장했다. 주요 작품은' 마술 피리',' 올랜도',' 피가로의 결혼식',' 돈 후안',' 피델리오',' 달의 세계' 이다. 1769 년, 라네리 드 카르자비지와 그 루크는 오페라 혁신에 관한 중요한 문서인' 오페라 알시' 의 서문을 발표했다. 그는 불필요하고 화려한 삼성부 아리아를 폐지하고 간단한 표현과 진실감으로 대체해야 한다고 생각한다. 음악의 임무는' 시를 위해 봉사하는 것' 이다. 글루크의 대표작으로는' 올리드의 이피그네온 오리드' 와' 이피그네엔 타우리드' 가 있다. 그의 개혁 사상은 영향이 매우 크다.

오페라가 영국에 들어온 후 오랜 시간이 지나서야 영국에 뿌리를 내렸다. 첫 번째 영국 오페라는 헨리 퍼셀의' 디도와 에네아스' 이다. 낭송과 노래의 경계를 깨뜨렸다. 거지의 오페라' 공연은 마침내 영국 관객들로 하여금 모국어로 부르는 연극을 듣는 데 익숙해졌다.

18 세기 말부터 19 세기 초까지 프랑스 코미디 오페라가 크게 발전했다. 1752 년 루소의 단막극 희극' 부풍의 처녀' 가 상연됐다. 그는 혼합 음악 형식으로 악보를 하나 썼는데, 매우 유행하는 로맨틱한 사랑을 반영하는 곡조와 가무 저글링 공연을 결합하여 프랑스의 특색을 지녔다. 이후 이 새로운 혼합오페라는 파리와 다른 지역의 오페라 무대에서 주도적인 지위를 차지하고 있다. 유명한 극작가로는 몬시니, 그레틀리, 메훌, 프랑수아 아드리안 엘디가 있다. Bois Erdi 이후 프랑스 코미디 오페라는 더욱 이탈리아화되어 로시니의 영향을 반영했다. 이 기간 동안 이탈리아 오페라는 한때 쇠퇴했다. 나중에 존 사이먼 마이어, 로시니, 게타노 도니체티, 벨리니 등 재능이 넘치는 오페라 작곡가들이' 세르비아의 이발사',' 안나 볼레나',' 일피라타' 등 세계적으로 유명한 오페라 작품들을 창작했다.

대오페라' 는 19 세기 파리에서 태어났다. 그것은 국제적인 스타일의 대형 오페라로, 역사나 허구의 역사 이야기를 주제로, 무대에는 기이한 복장, 발레, 각종 달리기 올가미로 가득 차 있다. 그것은 거의 미성창법의 미묘함을 버리고 오케스트라 자체와 연극에서의 역할을 크게 확대했다. 첫 번째로 공인된 대형 오페라는 지아크모 메이예벨의' 로버트 르 디아브' 이다. 마이어 벨과 프로멘탈 할레비 이후, 큰 오페라는 새로운 음악 추세를 반영하고 다양한 혼합형식으로 발전하기 시작했다. 이 시기에는 베를리오즈와 오븐 바흐를 포함한 프랑스 오페라 작가도 있었다. 그들의 주요 작품은' 오로피, 트로이',' 호프만의 이야기' 등이다.

독일 낭만주의 오페라는 독일 낭만주의 음악의 선구자' Der Freischutz' 등의 작품이다. 이 시기에도 작은 오페라가 등장했고, 존 슈트라우스의 명작' 박쥐' 이 정상에 올랐다.

19 세기 이후의 유명한 오페라 작곡가는 이탈리아 윌디, 푸치니, 부소니 등이다. 독일과 오스트리아의 바그너, 리처드 슈트라우스, 한스 푸피츠너, 순백크, 버저 등. 프랑스의 코노, 비재, 토마스, 쥘 마스네, 드뷔시, 라웰.

오페라가 러시아에 들어온 후 가장 먼저 상연된 것은 외국 작품이다. 이어 러시아 오페라의 아버지 그린카 등 걸출한 오페라 작곡가들 (예: 린스키 코사코프, 볼로틴, 모제스트 무솔스키, 차이코프스키, 스트라빈스키, 프로코피 등) 이 생겨났다.

20 세기 중엽에 이르러 오페라는 거의 일종의 박물관 예술이 되었는데, 대부분 낡은 작품을 반복하며, 거의 새 작품이 아니다. 일부 작가들은 오페라의 미래가 무대 연극과 다른 유사한 오페라와 관객에게 놀라움을 주는 혼합 오페라에 있다고 생각하는데, 다른 작가들은 오페라의 미래가 공장과 학교 공연을 위해 창작한 각종 오페라에 있다고 생각한다.