반 고흐, 피카소, 렘브란트 ... 그들의 비밀은 셀카에 숨겨져 있다.

수백 년 전의 르네상스, 전통의 한계를 돌파한 모더니즘, 관념이 앞선 당대 예술 등 예술가는 셀카를 위해' 창작 줄거리' 를 마련한다.

비범하고 탈속적인 현실주의 스타일에서 황당한 해체주의에 이르기까지 예술가들은 모두 그들의 눈에 보이는 개성과 자아를 보여주기 위해 최선을 다하고 있다. 이러한' 흡정' 처럼 보이는 기록 방식에서는 예술가의 마음속 깊은 비밀을 숨기는 경우가 많은데, 아마도 가장 진실한 욕망, 고통, 외로움, 구속의 욕망일 것이다.

그들이 일생의 독백을 참았기 때문이기도 하고, 그들이 세상에 알려지기를 갈망하는 선언이기도 하다.

그 독특한 심미 기호 아래 우리는 세속이 찬양하는 영광보다 더 진실한 영혼에 접근할 수 있다.

오늘 우리는 역사상 가장 유명한 여섯 명의 예술가의 셀카를 정리해 그들이 가장 기억하고 싶은 순간을 감상했다.

길고 흰 수염을 가진 이 자상한 노인은 다빈치라고 부를 수 있다.

다빈치는 유럽 르네상스 시대의 천재 과학자, 발명가, 화가이다. 현대학자들은 그를' 르네상스의 가장 완벽한 대변인' 이라고 부르는데, 인류 역사상 유일무이한 다방면수이다. 그가 평생 완성한 작품은 많지 않지만, 거의 불후의 걸작으로,' 모나리자',' 마지막 만찬',' 암중성모' 등 세계 예술사에서 독보적이다.

이 자화상은 다빈치가 60 대 가까이 되었을 때 15 13 정도에 창작되었다. 레오나르도 다 빈치는 그림 속에서 줄곧 뛰어난 스케치 기교로 유명하다. 이 자화상에서는 충분히 드러났다.

전체 그림은 붓으로 매끄럽게 정제되고, 선이 풍부하고 변화무쌍하며, 강유하며, 특히 밀도가 다른 사선을 잘 이용하여 명암의 미묘한 변화를 표현한다. 화가가 얼굴에 흩어진 긴 머리와 턱 아래 긴 수염, 매 획마다 그의 만년의 사고력, 기질, 지혜로 가득 찬 깊은 눈빛을 보여준다.

실러는' 북방 르네상스 제 1 인' 으로 불리며' 자화상의 아버지' 라고도 불린다.

13 살 때 그는 거울을 향해 첫 자화상을 그렸다. 위의 레오나르도 다 빈치의 자화상보다 20 여 년 앞선 그는 서구 회화 역사상 처음으로 사실적인 수법으로 자신의 외모를 기록한 화가라고 할 수 있다.

실러의 잘생긴 남자는 진짜' 송옥, 누가 판안처럼 생겼는가' 이다. 그때 누군가가 그의 모습을 이렇게 묘사했다.

자신의 높은 얼굴에 너무 만족하기 때문인지, 실러는 늘 자신의 비범한 회화 기교로 자신을 표현하는 것을 좋아한다.

그리고 실러는 자신을 그리는 것에 열중할 뿐만 아니라, 늘 옆에 한 마디 쓰는 것을 좋아한다. 이건 내 얼굴이다 ~

조작 방법은 지금 우리가 위챗 모멘트 셀카를 찍는 것과 똑같다. 그리고 문장' 오늘 좀 멋있어' 를 쓴다.

이' 자화상' (52× 4 1cm) 에서 딜러는 당시 독일에서 가장 스타일리시한 청년복으로 분장했다. 그의 긴 머리는 어깨 위에 곱슬하게 늘어져 있고, 듬성한 담갈색 수염은 그의 얼굴을 성숙하고 듬직하게 보이게 했다. 사실, 그는 여전히 풍채가 무성한 젊은이로, 배경 속 창밖의 끝없는 산봉우리는 그가 알프스 산을 세 번 넘고 이탈리아를 유학한 특별한 경험을 암시하는 것 같다.

어쩐지 실러가 이렇게 나르시시즘을 부리는 것도 당연하다. 그는 이 그림을 그릴 때 겨우 28 살이었다. 그의 조형 능력과 색채 기교로 볼 때, 그의 재능은 이미 드러나기 시작했다.

2 년 후, 그는 가죽으로 자화상 한 장을 그려 화단의 센세이션을 완전히 불러일으켰다. 왜냐하면 그는 처음으로 초상 옆면을 버리고' 렌즈' 의 전통을 마주하며 관객을 완전히 향했기 때문이다.

어떤 친구들은 이것이 무슨 대단한 일인지 이해하지 못할 수도 있지만, 그때 하느님만이 긍정적인 구도로 나타날 수 있었고, 어떤 화가의 예술가도 돌아서야 했다.

그래서 당시 어떤 사람들은 그가 예수 그림을 그렸다고 생각했지만, 실러는 할아버지가 그린 것은 그 자신이라고 말했다. ~

게다가, 딜러가 이탈리아에서 공부한 당시 가장 선진적인 회화 이론 (예: 투시학과 해부학) 은 모두 교묘하게 이 그림에 녹아들었다.

이 그림에서, diller 뿐만 아니라 입체효과와 빛과 그림자 효과를 반영 하지만, 또한 신중 하 게 그의 갈색 가죽 칼라 코트에 솜 털의 모든 클러스터를 그려, 사람들이 완전히 자신의 질감을 느낄 수 있도록, 칼라에 모피의 오른손을 만지고, 그 관찰은 너무 가까이, 심지어 손의 진동도 그려져 있습니다.

그의 여생 동안, 딜러는 북방 화파의 엄밀한 과학정신으로 이탈리아 르네상스 시대의 아름답고 숭고한 고전 미학과 결합해 독창적으로 산산조각 난 지방화파를 통합하였다. 그는 남북 화파의 길이를 모은 최초의 대가이다.

반부 반쇠한 렘브란트는 일생 동안 거의 100 점의 자화상을 창작하여 서구 예술에서 자신에 대한 가장 엄격한 초상 해부가 되었다.

그는 23 세부터 자신의 모습을 기록하기 시작했다. 마치 거울 속의 다른 자신을 응시하는 것처럼, 자신이 청춘에서 성숙으로, 성숙에서 쇠퇴로, 청춘의 왕성에서 노년으로 가는 것을 보았다.

렘브란트는 65438-0606 년 네덜란드의 한 부유한 방앗간 주인 가정에서 태어나 집안이 풍요롭고 재능이 넘친다. 스물다섯 살 때 그는 홀로 암스테르담으로 가서 주문이 끊이지 않는 초상화 화가가 되었다. 30 세 이전에 도심에서 가장 비싼 곳에서 큰 집을 사고, 장가 등 일련의 조작을 이뤄 진정한 승자였다.

1642, 36 세의 렘브란트가 사업의 절정을 맞아 명작' 야간 순찰' 을 완성해 역사책에 등재됐다.

그러나 운명은 항상 네가 가장 생각지도 못한 때에 너에게 일격을 줄 것이다.

같은 해에 그가 가장 사랑하는 아내가 죽고, 그들의 네 아이도 연이어 죽었다. 이 화가의 개인적인 감정은 의심할 여지 없이 큰 타격이다.

그러나 운명이 너를 놀리려고 할 때, 그것은 결코 계략이 부족하지 않다.

렘브란트의 역사적 지위를 확립한' 야간 순찰' 도 이 성공한 직업화가를 하룻밤 사이에 아무도 묻지 않게 했다. 그의 작품은 그 자신의 시대를 뛰어넘었다. 그 새로운 창작 방법은 당시 사람들과 주류 화단에서는 용납할 수 없었다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 독서명언)

그의 예술은 더욱 심오하고 집념이 되었지만, 그의 처지는 오히려 악화되었다. 그를 칭찬했던 사람들은 모두 그를 배신했고 렘브란트도 파산했다.

노년에 접어든 렘브란트는 가산을 끊임없이 매각하고 돈을 빌려 살아갈 수밖에 없었지만, 자화상으로 자신을 기록했을 때 자신의 가난과 추함을 숨기지 않았다. 그는 거울 속의 자신을 관찰하는 데 절대적으로 충실하다. 그가 만년에 그린 자화상들, 얼굴 가득 주름진 얼굴, 망연자실한 망설임으로 세상을 바라보는 것, 마치 무한한 감상과 무한한 자비, 이로 인해 회화는 더 이상 겉모습만 보는 것이 아니라, 더욱 깊은 인간성을 드러낸다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 지혜명언)

렘브란트 후기의 유화는 질감이 두껍고 가까이서 보면 추상적인 색블록과 획처럼 보이지만 내면의 정신적 특성을 정확하게 전달할 수 있다.

화려한 바로크 시대의 렘브란트는 종교와 궁정의 허영심에서 벗어났지만 삶의 현상을 가장 두터운 방식으로 묘사하며 간결한 냉정함 속에 충만한 열정을 담고 있다.

절대적으로 정확한 사실주의 기교에서 풍성하고 통쾌한 통쾌함에 이르기까지, 그는 그림을 혁신하고 전복시켰으며, 그림을 그의 비극적인 인생의 마지막 구속으로 만들었다.

레오나르도 다 빈치를 제외하고, 역사상 반 고흐처럼 누구나 다 알 수 있는 예술가는 없을 것이다. 그는 미친 천재 예술가가 무엇인지 완벽하게 설명했다.

반 고흐는 렘브란트와 마찬가지로 예술사에서도 자화상으로 유명하다.

하지만 렘브란트의 자화상은 그의 일생을 관통했다. 반 고흐의 자화상은 대부분 1885 부터 1889 까지 40 여 점을 창작했다. 그는 마치 자화상 형식으로' 일기 쓰기' 로 청중 앞에 자신을 공개적으로 드러내고 삶의 고통, 두려움, 자기의심, 정신적 고문, 순간적인 기쁨을 드러내는 것 같다.

반 고흐 자신이 한 번 말했다:

그의 자화상에서 반 고흐는 늘 경직되고 엄숙하며 얼굴에 집중된 표정을 지었다.

그럼에도 불구하고 반 고흐의 다른 개성은 모든 자화상에서 찾을 수 있다. 그는 자신이 파리에서 그린 마지막 자화상을 다음과 같이 묘사했다.

이것은 그의 당시 느낌이었다: 기진맥진하다.

1888 12.23, 반 고흐는 인사불성이 되었을 때 자신의 왼쪽 귀를 베었다. 이것은 일련의 정신 붕괴 중 처음이다. 그는 편지에서 토론하고 싶지 않았지만, 그는 확실히 두 장의 셀카에서 이 일을 "보도" 했다.

반 고흐는 효과나 동정을 위해 자신을 병이 무너진 사람으로 묘사한 것이 아니다. 그는 그림이 그가 치유하는 데 도움이 될 수 있다고 굳게 믿는다. 그는 테오에게 편지를 썼다.

1890 년 7 월 반 고흐가 총을 쏘아 자살했을 때 37 세였다. 그의 마지막 자화상은 어머니께 드리는 선물이다.

노르웨이에서 온 표현주의 예술가 몽크 (Monk) 는 예술사학자들이' 세기 말' 이라고 부르는 경우가 많다. 그의 작품은 유럽 전체 세대의 정신생활을 반영하기 때문이다. 스님이 살던 시대에는 어떤 예술도 감히 그 사람처럼 인간 본능의 추악함을 적나라하게 묘사하여 선악이 공존하고 미추가 공존할 수 없었다. 그는 "그림의 니체" 라고 불린다.

이 비통한 남자는 5 살에 어머니를 여의고, 14 세에 여동생을 여의고, 26 세에 정신병을 앓고 있는 아버지를 여의었다. 유일하게 살아남은 여동생도 정신병에 시달려 정신병원에 살고 있다. 뭉크 본인은 어려서부터 폐결핵을 앓아 병고에 시달렸다.

그러므로 죽음과 질병은 줄곧 그의 작품에서 영원한 주제였다.

머크는 이 해골 팔의 자화상을 창작할 때 겨우 365, 438+0 세였지만 자신을 유령 같은 인물로 묘사했다. 부두는 20 세기 초반 예술 표현에서 흔히 볼 수 있는 수법과 주제로, 물질세계와 정신세계의 분열을 의미한다. 사진의 맨 아래에 있는 뼈는 죽음에 대한 기념이나 알림이다. 그림 위에는 예술가의 이름과 날짜가 있는데, 이 세부 사항들은 그것을 묘비로 만들었다.

그는 한 번 말했다:

피카소는' 생명이 그치지 않는다' 는 최고의 예라고 할 수 있다!

13 세 데뷔, 전통 학원파가 받을 수 있는 모든 최고상과 영예를 거머쥐었다.

그는 불안한 궁극적인 탐험가로, 자신에게 도전하는 길에서 달리기를 멈추려 하지 않는다. 또한, 그는 놀라운 효율성, 긴 수명, 활력이 넘칩니다. 그는 평생 생선을 건드리지 않은 듯 거의 37,000 점의 작품을 창작했다!

엄밀하고 착실한 학원파부터 피카소의 예술 생활은 음울한 푸른색 시기, 낭만적이고 아름다운 분홍색 시기, 번영하는 아프리카 시기, 입체주의 시기, 이후 초현실주의 시기와 추상주의 시기 등을 거쳤다. 피카소의 스타일과 그림을 바꾸거나 전복시키는 데 있어서, 피카소를 이길 수 있는 예술가는 없을 것 같다.

변화무쌍한 스타일도 그의 일생의 자화상에서 충분히 증명되었다.

이 피카소 15 세의 자화상은 그의 비범한 전통적이고 사실적인 수법을 분명히 볼 수 있다.

결국, 그의 명언은 다음과 같다.

1900 년부터 1903 년까지는 피카소 일생의 저조한 시기였다. 이 음울하고 침울한 시기에 파란색이 그의 모든 작품을 지배하여 그의 예술 생애 중' 파란 시기' 가 되었다.

하지만 곧 사랑이 왔고 피카소는 파리에 정착했습니다. 인생의 첫사랑인 페르난드 올리빌과의 만남으로 피카소가 이전 작품에서 음울한 푸른색을 쓸어버리고 180 도의 부드럽고 따뜻한 핑크톤을 채택하게 했다. 피카소는 공식적으로' 블루 시절' 에 작별을 고하며 행복한 핑크 시대로 성큼성큼 접어들었다.

이 1907 자화상은 피카소가 점차 인생에서 가장 중요한 시기인 입체파로 옮겨갔다는 것을 상징하기 때문에 가장 고전적이다. 그 후로 피카소의 화풍이' 날기' 시작하면서 층층이 자기 해부를 해체하기 시작했다.

피카소의 작품은 그의 삶과 마찬가지로 통일성, 연속성, 안정성이 없다. 그는 고정적인 생각, 다양한 패턴, 열정, 조울증, 상냥함, 혐오감, 진지함, 허세, 변화무쌍함이 없었지만, 그는 영원히 자유에 충실했다.

카를로는 20 세기의 가장 대표적이고 전설적인 예술가 중 한 명이자 루브르 박물관에 정착한 최초의 멕시코 예술가이다.

6 세 소아마비; 18 살 때 교통사고를 당해 분쇄성 골절을 당했다. 32 건의 수술과 3 건의 낙태; 스물두 살에 결혼해서 서로 바람을 피운다. 32 세 이혼, 33 세 재혼, 47 세 사망.

이 여자의 생활은 산산조각 나지만 다채롭다. 그녀는 질병, 장애, 교통사고로 인한 불임, 유산, 이혼, 배신 등 평생 겪은 모든 고통을 자화상 형식으로 기록했다.

그녀의 일생의 143 작품 중 55 점은 자화상이며 독특하고 잊을 수 없다. 상징적인 눈썹과 입술에 가는 콧수염으로 이 자웅동체의 얼굴이 내 머릿속에서 지워지기 어렵다.

65438 년부터 0939 년까지 프리다는 남편 디에고 리베라와 이혼했다. 헤어진 후, 그녀는 늘 절망과 외로움에 잠겼다.

이 유명한' 두 프리다' 는 바로 이때 창작한 것이다. 이 그림에서 이 슬픈 여자는 자신의 양면을 묘사했다. 오른쪽에는 리비라가 사랑했던 여자를 상징하는 멕시코 원주민 의상을 입은 전통 프리다가 있다. 그녀의 심장의 대동맥은 오른팔을 우회하여 그녀의 손에 있는 리베라 초상화에 연결되어 있는데, 그것은 그녀의 생명의 원천이자 영양이다.

왼쪽에 유럽식 원피스를 입은 프리다는 리베라가 더 이상 사랑하지 않는 여자다. 그녀의 얼굴은 창백하고, 심장은 찢어지고, 혈관은 잘렸다. 수술집게를 들고 있어도 혈액의 유출을 막을 수는 없다. 새빨간 피가 하얀 치마에 떨어지는 것은 마치 그녀가 곧 피를 흘려 죽는 것 같았다.

1940 년에 리베라는 프리다에게 재혼을 요구했다. 프리다의 가장 소중한 그림 중 하나인' 가시나무 목걸이와 벌새가 달린 자화상' 이 등장했고, 이 자화상은 상징원소로 가득 차 있으며, 세세한 부분마다 프리다의 고통과 고집을 분명하게 표현했다.

이 그림에서 프리다는 중간에 앉아 두려움 없이 그녀의 관중을 응시했다. 목에 가시가 박힌 가시나무 목걸이가 그녀의 몸을 찔러 피가 주렁주렁 흘렀다. 거미 원숭이 한 마리가 오른쪽 어깨에 앉아 손에 가시가 박힌 목걸이를 하고 있었지만, 조심하지 않으면 캐롤의 목에 가시가 더 깊어졌다. 목걸이의 펜던트에는 죽은 벌새 한 마리가 걸려 있고, 왼쪽의 검은 표범은 호시탐탐 노리고 있다.

멕시코 민간 전설에서 벌새는 연애 중의 행운을 나타내고, 검은 표범은 액운과 죽음을 상징한다.

프리다는 죽은 벌새를 이용해 이 결혼에 대한 절망을 표현했고, 가시나무 목걸이를 만지는 거미원숭이는 리베라가 그녀에게 준 선물이다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 죽음명언) 자, 그것의 모든 접촉은 프리다를 상처투성이로 만들고 피가 가득 흐르게 한다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 지혜명언)

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