건품은 반드시 보아야 한다. 너는 반드시 세계 3 대 음악 교육 체계를 이해해야 한다.

세계 3 대 음악 교육 체계는 달크로즈 음악 교육 시스템, 코다이 음악 교육 시스템, 올프 음악 교육 시스템이다.

달크로즈 음악 교육 시스템;

달크로즈 생애 소개:

본명: 닐 자크 달크로즈.

스위스 음악가와 교육자는 오스트리아 비엔나에서 태어났다. 7 월 6 일 1865 에서 태어나 7 월 6 일 1950 으로 사망했습니다.

달크로즈의 생명선:

달크로즈 음악 학습 단계 (1865- 1889)

1865 에서 태어났습니다. 아버지는 시계 판매원이고 어머니는 음악 선생님입니다. 187 1 나이에 피아노 배우기 시작. 1872 세에 행진곡을 쓰기 시작했습니다. 1875 살 때 제네바로 돌아왔습니다. 188 1 세, 16 세, 중학교 2 년 대학 예과에 입학하면서 제네바 음악학원에서 피아노와 작곡을 공부했다.

1883, 18 세 제네바 대학 입학, 1884, 19 세, 파리에 와서 연극 공부, 프랑스 극장에서 일 22 세 때 1887 은 아버지와 함께 비엔나에 가서 엄격한 시험에 합격하여 안동 브루크너의 작곡반에 들어갔다. 24 세 1889 파리 음악학원에 입학해 풀레 작곡반에 입학했고, 스승은 유명한 작곡가 드레이브에서 왔다.

Darkroze 의 음악 교육 단계;

1892, 27 세, 학업을 마치고 제네바 음악학원에 돌아와 음악사, 하모니, 고급 코러스 등 과정을 가르치고 많은 음악 창작 활동을 했다.

28 세, 1893 은 자신의 첫 노래집을 출판했고, 많은 노래들이 즉시 널리 전해졌다.

29 세 1894 가 시창귀 교재' 음높이 연습' 을 출판했다.

35 세 때 1900 은 새로운 이론을 제시했다가 나중에' 신체 리듬 교수법' 으로 발전했다.

1902 37 세로 제네바 음악원에서 사임할 수밖에 없었다.

40 대 때 1905 는 스위스 뮤지션협회 회의에서 처음으로 그녀의 교육 개혁 성과를 선보였다.

1906 세 4 1 은' 달크로즈 바디 리듬 교수법' 5 부를 출판했다.

1910/0 45 세 때, 그의 사업은 절정에 이르렀고, 그는 헤레로에 달크로제 시스템 연구소를 설립했다.

19 10 에서 19 14 까지 독일, 런던, 파리, 비엔나, 뉴욕에 신체율동 학교를 설립했다.

19 14 년 8 월, 49 세, 세계 대전 발발로 중단됐다. 제네바로 돌아와서 이듬해 다크로즈 대학이 제네바에 설립되었다.

1919-1930 은 여러 편의 신체 리듬 음악 교육, 리듬, 음악 및 교육, 신체 리듬 예술 및 교육 관련 서적을 출판했다.

1950 85 세로 제네바에서 사망했습니다.

1965 100 세 때 스위스 사람들은 달크로즈 탄생 100 주년을 기념하는 행사를 열고 달크로즈 기념관을 설립했다.

달크로즈의 교육 시스템:

시창귀 교육 개혁부터 오랜 탐구와' 신체 리듬' 이론의 기초 구축을 통해 즉흥 교육의 도입을 상징하며 완전한 새로운 음악 교육 체계를 구축했다. (solfeggio, 신체 리듬, 즉흥 교육)

신체 리듬은 리듬체조와 춤과 다르다. 그는 기본적으로 음악의 인도에 복종한다. 그는 자신의 몸을 악기로, 몸짓을 통해 음악 리듬의 속도, 힘, 기간의 변화를 체험한 다음, 음악을 표현하는 데 필요한 원소를 우리의 심신에 녹여 소리 리듬과 신체 리듬의 공감각을 발전시켜 우리의 감각으로 감정을 직접 반영할 수 있게 해 학생들이 청각을 통해 가볍고 조화로운 리듬감을 얻을 수 있도록 훈련시켰다.

몸의 리듬은 듣는 음악을 느끼고 재현하는 신체 운동이기 때문에, 몸은 자연히 악기가 된다.

피치-공간에서 제스처 (또는 몸) 의 방향과 위치.

소리 강도-운동 강도 (근육)

음색-신체의 다른 부분의 표현

시간 가치-행동의 지속

일시 중지-일시 중지

멜로디-각 동작의 연속성

정렬-다른 동작, 다른 방향의 위치.

화음-다양한 운동의 조합과 중첩

구문-작업의 단락

형식-공간과 시간의 운동 분포

신체 리듬의 교육 과정은 음악을 듣거나 리드미컬한 목소리로 시작된다. 학생들이 먼저 음악을 듣고 듣기와 몸짓으로 감각반응을 일으키게 하다. 학생들이 몸짓을 통해 음악을 접할 수 있도록 유도하는 다양한 요소. 신체 동작의 참여로 음악 원소가 눈에 보이는 신체 활동이 되면서 이들 원소의 역할이 하나하나 드러났다.

신체 리듬 교육은 한 사람을 음악 요구 사항을 이해하고 음악을 이해하고 표현할 수 있는 악기로 만들었다. 이런 인간적인 악기를 통해 음악의 핵심 요소를 전시하고 학습자 내면의 청각과 감정을 통해 예술성을 강화한다.

리드미컬한 자세의 신체 동작 분류:

제자리 및 공간 활동 (또는 고정 및 이동 활동)

1. 제자리동작: 손뼉, 흔들림, 흔들림, 지휘, 허리를 굽히고, 몸을 돌리고, 걷고, 말하고, 노래합니다.

2. 우주운동: 걷기, 달리기, 뛰기, 점프, 점프, 날기, 활주.

동작의 무결성에 주의하여 준비, 연주, 계속, 회복 4 단계에 따라 연습하다.

신체 리듬의 교사는 즉흥적으로 창작할 수 있는 능력을 갖추어야 한다.

그 (그녀) 의 즉흥음악은 반드시 아동의 동작을 훈련, 지배, 지휘 및 촉진할 수 있어야 한다. 피아노 즉흥연주에는 6 가지 조건이 필요하다: (1) 정확한 청력; (2) 노래를 부르고 멜로디를 연주하는 능력을 발명한다. (3) 다른 방법, 다른 음조 (변조) 로 멜로디를 반주할 때 조화를 이루어야 한다.

(4) 정확한 시각; (5) 많은 동요, 민가 등을 예나 극적인 곡조로 암기하다. (6) 음악의 목소리로 유아의 동작 리듬을 재현하고 유아를 위해 즉흥적으로 동작과 음악을 창작할 수 있는 능력을 갖추고 있다.

스포츠와 심리학의 관계:

1, 모든 리듬은 동작입니다.

2. 모든 운동은 신체 운동이다.

모든 스포츠에는 시간과 공간이 필요합니다.

4. 스포츠에서 공간과 시간은 그것들을 외부 리듬으로 바꾸는 물질을 통해 재구성된다.

5. 아동운동은 순체력운동이자 무의식운동이다.

신체의 경험은 의식을 형성합니다.

7. 물리적 수단의 보완은 명확하고 질서 정연한 지능 인식을 만들어 낸다.

8. 운동을 통제하는 것은 리듬감 심리를 키우기 위한 것이다.

코다이 음악 교육 시스템;

코다이 (coday) 에서의 교수법 상승 개요:

본명: 코다이 조르탄은 1882 에서 태어나 1967 (85 세) 에서 죽었다. 그는 헝가리의 유명한 작곡가, 철학자, 음악 교육자이다.

코다이의 교육 시스템:

첫째, 강의 순서.

둘째, 교수법법 (1, 첫 번째 출석법 2, 리듬독법 3, 자보 4, 손짓 5, 고정음명 창법).

셋째, 교재의 출처.

넷째, 교육 이념.

코다이 교수법의 기초: 노래.

코다이의 교육 목표:

1. 사회적 능력과 예술적 재능이 균형 있게 발전하는 아이를 키우다.

2. 아이가 자라서 이런 음악적 재능을 가질 수 있다. 그들이 악보를 볼 때, 그들은 소리를 생각할 수 있고, 그들이 음악을 읽고 녹음할 때, 그들은 말하고 쓰기를 원한다.

첫째, 강의 순서

교학 순서의 안배는 아이의 능력 발전의 법칙을 존중해야지 학과 체계를 기초로 하는 것이 아니다. 학과 체계를 바탕으로 한 교육은 과정의 순서와 어린이 음악 발전 능력의 특징을 결합하지 않고, 다만 교과 내용을 겉으로 합리적인 순서로 조직해 아동이 음악에 대한 학습과 발전에 불리하다.

코다이 (coday) 는 아이들의 음악 능력 개발의 몇 가지 특징을 믿는다.

1. 동요는 다음과 같은 요구 사항을 충족해야 합니다. 6 개 이하의 음, 음정 2 학년 이상. 어린아이가 정확하게 반음정을 부르기 어렵다.

2. 아이들에게는 음정을 떨어뜨리는 것이 음정을 올리는 것보다 배우기 쉽다. 즉 초급 단계에서 선생님은 곡조가 떨어지는 노래를 선택해야 한다.

3. 아이들에게 세 번째 음정은 두 번째 음정보다 마스터하기 쉬우며, 큰 음정은 예컨대 6, 8 번째 음정은 배우기가 더 어렵다.

4. 음역에 관한 연구에 따르면 어린이들이 F 이상 3 도, 즉 A 음을 가장 쉽게 부를 수 있는 것으로 나타났다.

둘째, 교수법

1, 첫 번째 출석법.

2. 리듬 독서.

3. 알파벳 스펙트럼.

4, 제스처 사용.

5, 고정 음명 창법.

손짓의 응용

1, 제스처의 창조.

2, 제스처의 기본 형태.

3. 손짓의 원리.

4. 실습 교육에서의 제스처의 적용.

셋째, 교재의 출처

1. 아동생활의 게임, 동요, 찬송가.

2. 민간 음악.

3. 클래식 창작 음악, 즉 유명한 작곡가가 창작한 음악.

넷째, 교육철학

1. 음악 과정의 핵심 위치.

2. 목소리는 최고의 악기로 노래 교육에서 중요한 역할을 한다.

교재 선택의 중요한 역할.

4. 선생님에 대한 요구가 엄격하다.

코다이 교육 사상 개요;

채택된 교수법은 첫 번째 출석법, 리듬 낭독법, 글자, 손짓의 응용이다.

민요와 유명한 작곡가의 음악을 교재로 선택하다.

조기 음악 교육의 중요성을 강조하다.

소리를 가르치는 악기로 제창하다.

음악을 교과 과정의 핵심 위치에 두는 것은 음악 교육이 전면적인 발전에 중요하다고 생각한다.

올프 음악 교육 시스템;

전기:

칼 올프 (1895- 1982) 는 세계적으로 유명한 독일 작곡가이자 음악 교육자이다. 1895 년 7 월 10 뮌헨의 한 예술군인 가정에서 태어났습니다. 가족 환경의 영향으로 칼 올프는 어려서부터 음악과 연극에 깊은 관심을 보였으며, 이는 그가 뮤지컬 대가가 될 수 있는 토대를 마련했다.

올프의 음악 경험;

1, 유아기에 받은 예술교육.

2. 사춘기 뮤지컬 활동.

뮌헨 음악원 학습 기간.

4. 곤트 학교 시절.

5. 뮤지컬 코미디 창작 시절로 돌아가다.

올프 음악 교육의 발전과 국제화.

"오리지널 음악" 의 개념;

올프는 그의 책에 있다

"원시 음악은 결코 순음악이 아니다. 그것은 동작, 춤, 언어와 밀접하게 결합되어 있다. 사람들이 스스로 참여해야 하는 음악입니다. 즉, 사람들이 청중이 아니라 연기자로 참여하는 음악입니다. "

전통 음악과 올프 음악 교육의 차이점:

1. 전통음악: 전문화, 기술화, 기술화된 교육 가이드를 선호하며 단순히 음악 이론 지식과 음악 기술로 음악을 배우는 낡은 모델에 초점을 맞추고 있다. 학생들의 음악에 대한 감정과 체험을 무시하고, 학습 과정에서 학생의 주동성, 주체성, 개성, 창조성을 소홀히 한다.

2. 올프 음악: 사람 중심적이고 음악 교육이 인간 발전에 미치는 큰 역할을 중시하며, 궁극적으로 음악 학습을 통해 인간의 내적 잠재력을 발굴하고 건전한 인격을 키우고 풍부한 창조능력을 발전시키는 것이 음악 교육의 출발점이자 최종 목적이다.

올프의 음악 교육 사상:

오리지널 음악 교육: 음악 교육은 음악, 동작, 춤, 언어, 게임, 창작 등을 융합하여 학생들이 음악 활동에 적극적으로 참여하도록 유도하고, 직접 느끼고 체험하며, 아이들이 편안하고 즐거운 분위기 속에서 자연스럽게 음악을 내면에 녹여 음악과 마음의 소통을 할 수 있도록 한다.

그리고 이 과정에서 학생들의 성격을 키우고 판타지 능력과 창의력의 발전을 촉진하며 자신감을 쌓는다. 그렇다면 이런 감정적 자극과 체험, 그리고 각종 능력의 획득은 외적 지식 주입과 기술 훈련이 아니라 직접 참여함으로써 자발적이고 자연스럽고 무형적인 획득이다.

올프의 음악 교육 사상:

1, 전면을 숭상하다.

즉흥 연주와 창의력에 중점을 둡니다.

실용성을 강조하다.

4. 현지화를 강조합니다.

5. 모두를 위하여.

1, 전면을 숭상하다

이곳의 전면은 그의' 원생태' 의 음악 이념을 다시 한 번 반영하였다. 종합성이란 음악 교육의 형식이 음악, 춤, 언어를 하나로 모으는 전체적인 예술이어야 한다는 것이다.

올프는 사상과 감정을 표현하는 것은 인간의 본능적 욕망으로 언어, 노래 (악기 연주 포함), 춤 등을 통해 자연스럽게 드러난다고 생각한다. 이것은 인류의 타고난 능력, 인류의 본래의 처지이자 인류의 내면에 가장 가까운 것이다. 학생들은 오리지널 노래, 걷기, 이동, 말하는 종합 예술을 통해서만 인류가 감정을 표현하는 가장 직접적이고 생생한 방법을 찾아 마음을 감동시킬 수 있다.

올프의 음악 교육에서는 아이들이 노래, 연주, 독서, 춤, 동작, 게임 등의 활동을 결합해 학생들이 음악 학습에 전념할 수 있도록 해야 한다. 이와 함께 이런 종합적인 교육 과정은 학생들의 음악적 능력 (음색 인식, 멜로디 기억, 악기 연주, 곡식 인식 등) 을 키우는 것이 아니다. ), 또한 음악에 대한 학생들의 정서적 경험을 향상시킬 수 있습니다.

즉흥 연주와 창의력에 중점을 둡니다.

아이의 인생 경험은 많은 사회적 영향을 받지 않고 즉흥 창작은 자연의 천성이며 영혼을 방사하는 본능적 반응이다. 그래서 올프는 아이들이 음악에서 이런 타고난 창의력을 발휘하도록 적극적으로 지도해야 한다고 강조했다. 한 화면을 본 후, 그들은 자신의 이해에 따라 음악으로 표현하여 간단한 악기를 통해 즉흥적으로 발휘할 수 있다. 악기가 없을 때 음악 대신 손, 발, 젓가락, 신문을 연주할 수 있다는 것은 악기에서의 창의력을 잘 보여 줍니다.

그러므로 올프의 교수법은 여기서 고정적이고 폐쇄적인' 규칙' 이 아니다. 그의 전반적인 내용과 방법은 사람들이 자신을 창조하고 안배하도록 격려하고 계발한다. 아이들에게 그들이 가지고 있는 것을 주입하는 것을 권장하지 않는다. 하지만 지도와 계발을 통해 아이들은 상상력과 창의력을 발휘할 수 있다.

실용성을 강조하다.

올프는 원시 음악 교육이 "사람들이 스스로 참여해야 하는 음악, 사람들이 참여하는 것은 청중이 아니라 연기자로 참여하는 것" 이라고 생각한다. 따라서 그는 학생들이 음악 학습 과정에서 개인의 음악 활동을 통해 연상, 상상력, 감정감 등 심미적 감정과 심리적 경험을 실현해야 한다고 강조했다. 진정으로 음악과 마음의 대응과 소통을 한다.

4. 현지화를 강조합니다.

올프의 음악 교육에서는 학생들이 잘 아는 언어 문화 예술 등 현지화 환경에서 학생들의 가장 익숙한 생활에서 취재할 것을 주장한다. 이렇게 하면 학생들의 학습 흥미를 높이고, 학생들의 학습과 성장을 돕고, 음악 교육이 좋은 효과를 얻을 수 있다. 동시에 민족 문화도 좋은 전승과 발전을 이루었다.

올프의 교육사상이 널리 인정받는 한 가지 중요한 이유는 올프가 본토 문화에서 출발하여 다양한 문화 형식의 존재를 존중한다는 점을 강조했기 때문이다.

5, 모두에게

올프의 음악 교육은 아이들뿐만 아니라 모든 사람에게 주는 것이다. 모든 사람은 음악 교육을 받아야 한다. 올프의 교수법은 모든 사람에게 적합하다.

올프 음악 교육 실습의 중국 적용:

음악 교육에 언어 적용-암송부터 시작

음악 교육에서의 액션 적용-액션 결합

올프 악기의 강의 적용-기악 교육

(1) 언어를 음악 교육에 도입하는 것은 올프가 학교 음악 교육에 크게 기여한 것이다. 언어는 모든 사람이 태어난 후 배우는 첫 번째이자 필요한 능력이다. 언어로 음악을 배우는 것은 아동 교육의 중요한 원칙, 즉 어린이가 잘 아는 환경과 사물로 시작하는 것을 충분히 보여 준다. 한편 올프는 본토 문화에 기반한 음악 교육을 제창하고 민족과 본토 문화, 즉' 모국어 문화' 를 음악 교육에 통합시켰다.

음악 교육에서의 언어 내용과 방법;

1. 단어와 이름에서 운율 암송 수업을 본다.

예: 왕, 수정정, 왕, 수정정.

2, 숙어, 잠언은 리듬 짧은 문장 교육 연습을합니다.

3. 동요 동요 리듬 암기 연습.

동요와 동요의 예:

작은 쥐, 등잔대에 올라가 기름을 훔쳐 먹다. 만약 네가 내려올 수 없다면 할머니께 전화해라. 할머니가 오지 않으면 재잘재잘 엎드려.

작은 꼬리를 가진 올챙이는 그들의 어머니를 찾아 헤엄쳐 다닌다. "엄마, 엄마, 어디 계세요? 클릭합니다 ","와, 와, 나 왔어. 클릭합니다 큰 개구리 한 마리가 왔다.

개미 한 마리가 쌀을 옮기러 왔지만, 그는 옮길 수 없었다. 개미 두 마리가 와서 쌀을 옮겨 왔다 갔다 한다. 개미 세 마리가 쌀을 운반하러 와서 가볍게 구멍 안으로 들어 올렸다.

손에 꽃잔을 들고 맑은 물 한 모금을 마시고 고개를 들어 입을 다물고 꾸르륵 물을 뱉었다.

음악 교육에서의 액션 적용-액션 결합.

행동 교육의 목적:

1, 심신 균형 발전.

2. 예민한 청력, 주의력, 반응능력을 배양한다.

3. 창의력을 발전시키다.

4, 리듬 훈련.

5. 음악감 기초 교육을 발전시키다.

올프 악기의 교육 응용-기악 교육.

올프 악기의 분류와 특징:

첫 번째 범주: 고정 피치 시리즈가 없는 타악기, 즉 우리가 흔히 말하는 타악기입니다.

2 종: 음높이가 있는 악기는 일반적으로 악기의 원료와 음색 특성으로부터 분류된다. 여기는 주로 악기를 가리킨다.

1, 타악기:

(1) 가죽: 드럼. 일반적으로 사용되는 것은 탬버린, 탬버린, 드럼, 크기 드럼, 군고, 드럼, 드럼, 정음드럼 등이다.

악기 특징: 일반 드럼은 가죽으로 * * * 소리가 나는 드럼이기 때문에 가장 큰 특징은 * * 소리가 강하고 볼륨이 크고 깊고 풍부하며 저음 부분으로 강력한 박자에 안정감을 주는 것이다.

(2) 나무: 대나무 나무로 만든다. 예를 들면 단향드럼, 쌍향드럼, 개구리 상자 (향판), 방자 (나무 막대기), 목어 등이다.

악기 특징: 소리가 맑고 밝고 짧고 불연속적이며 입자감이 강하다. 따라서 교육에서는 리듬이 복잡하고 속도가 빠른 리듬형을' 멜로디 부분' 으로 사용하여 리듬이 깨끗하고 깨끗하다.

(3) 금속: 구리 및 기타 금속으로 만든 금속. 삼각철, 벨, 꽹과리, 심벌즈 (단면, 양면) 등.

악기 특징: 음이 길고, 소리가 밝고, 관통력이 강하다. 꽹과리와 심벌즈 소리가 크니 합주할 때 조심해야 한다. 그것들은 보통 특색 악기로 쓰인다. 삼각철과 벨이 울리는 소리는 교실에서 광범위하게 적용되지만, 볼륨이 보편적으로 작기 때문에 강박자에 사용해서는 안 된다. 잔음이 들보를 휘감고 있기 때문에 입자가 잘 안 보여서 음표가 많고 속도가 빠른 리듬을 연주하기 어려워 소리에 섞이지 않는다.

(4) 산음: 이런 악기는 주로 금속 벨, 시스트 (많은 작은 철조각으로 흔들림), 탬버린 (또 다른 용도는 드럼을 흔들어 고리에 있는 작은 철판 드럼을 흔드는 것), 각종 대나무, 나무 (현재는 플라스틱, 코코넛 껍데기) 와 같은 발음 특징에 따라 이름을 짓는다

악기 특징: 볼륨이 작고, 소리가 가늘며, 리듬을 연주할 때 통제하기 어렵기 때문에 보통 강한 박자와 빠르고 복잡한 리듬 유형에 적합하지 않지만, 그 음색은 중국 틱톡(더우인) 조절로 긴 음표를 연주하기에 적합하기 때문에 비교적 이상적인 느낌음 길이의 타악기입니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 음악명언)

2. 악기

종금, 금속하프, 목금.