벨칸토는 큰 소리로 노래하는 것인가요?

완전히 틀렸어요!

1. 벨 칸토(Bel Canto) · 정의

17~18세기 이탈리아에서 창안된 오페라 창법으로 자유롭고 순수하며 안정적인 발성과 유연하고 정확한 성악기법을 강조한 오페라 창법. .

'벨칸토'는 말 그대로 아름다운 노래라는 뜻도 있고, 아름다운 노래라는 뜻도 있다. 발성법일 뿐만 아니라 창법과 성악의 한 유파를 대표하므로 일반적으로 벨칸토 방식, 벨칸토 유파로 번역할 수 있다.

벨칸토 창법이 다른 창법과 다른 특징 중 하나는 다른 창법에 비해 낮은 성악법을 사용하여 밝고, 꽉 차고, 느슨하고, 둥그스름한 느낌을 가지고 있다는 점이다. 금속성, 울리는 음질, 두 번째로 구문적 일관성, 유연한 음성, 단단함과 부드러움, 그리고 부드러움에 초점을 맞춘 노래 스타일에 중점을 둡니다.

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2. 벨칸토·노래법

벨칸토의 창시자 G. Caccini는 그의 『New』 서문에서 이렇게 말했다. 음악" 이 노래 방법은 에서 소개됩니다. 그 후 18세기에는 P.F. Tosi와 G. Mancini가, 19세기에는 F. Lamperti와 M. Garcia가 책을 쓰고 자세히 설명했습니다. 벨칸토 창법의 기술적 특징은 다음과 같다.

호흡에는 완전한 호흡지원과 유연한 호흡조절이 필요하므로 흐느끼는 경우의 쇄골호흡법과 가슴호흡법을 배제하고 흉복식 횡격막 호흡을 옹호한다. . 벨칸토의 모토는 "숨쉬는 법과 단어 발음을 아는 사람은 노래하는 법을 안다"이다. 올바른 호흡법은 좋은 보컬 생성의 기본입니다.

어택 : 벨칸토학파는 편안하고 밝고 정확하며 둥근 어택을 발음 교정의 핵심으로 보고 호흡과 후두 상태를 조절하고 소리를 집중시키는 가장 기본적인 수단이다. 공격에는 소프트 어택과 하드 어택이 있는데, 초보자는 주로 소프트 어택을 연습해야 하며, 피치 스키핑 연습도 실제로 호흡 지원 연습에 매우 유익한 연습입니다. 후두와 목소리의 집중. 좋은 공격은 최소한의 비용으로 최대의 효과를 얻어야 합니다. 좋은 어택을 바탕으로 노래하면 소리가 탄력있고 튼튼해지며, 성대와 육체적인 노력을 절약하고 노래의 수명을 연장할 수 있습니다.

성악 영역의 통일성은 벨칸토 노래 훈련의 시금석 벨칸토 노래에서 성악 영역의 통일성을 이루는 주요 방법은 각 성부의 '전환음'을 강조하는 것, 즉 상승 음계를 부를 때 이전 성부의 마지막 세 반음은 다음 성음 범위의 특성(즉, 더 비어 있음, 거짓, 더 어두움)으로 약간 노래해야 하며, 하강 음계를 부를 때는 마지막 세 개의 하강 반음이 낮은 음역의 특성(즉, 더 단단하고 진실하며 밝음)으로 노래하려면 더 높은 음역으로 노래해야 합니다. 이러한 점진적인 정량적 전환은 한 사운드 영역에서 다른 사운드 영역으로의 갑작스러운 변화로 인해 발생하는 딱딱거리는 소리를 방지합니다.

목소리의 일관성은 호흡의 부드러움, 후두의 안정감, 노래의 좋은 점 등을 반영하는 벨칸토의 아름답고 감동적인 선율이 특징이기도 하다. . 목소리의 일관성을 파괴하는 데에는 여러 가지 이유가 있습니다. 부정확한 어택, 포르타멘토의 오용, 일관되지 않은 보컬 영역, 크고 부드러운 음량, 밝고 어두운 음색 또는 갈라지는 소리, 모음의 불일치; ' 보컬 부분(특히 "좁은" 모음(i, e)과 "넓은" 모음(a, o, u) 사이의 불일치) 등이 모두 소리의 일관성에 영향을 미칩니다. 소리의 일관성은 무엇보다도 모음 간의 일관성입니다. 자음이 발음되는 부분(특히 고음 영역)에서 모음 소리를 부르는 것은 소리가 일관되지 않거나 일관성이 없거나 "백색 소리"가 나는 이유 중 하나입니다.

볼륨 벨칸토 스쿨은 '음질을 추구하면 볼륨이 자연스럽게 나온다'는 모토로 둥글고 밝으며 아름답고 서정적인 음질을 추구하는 데 중점을 두고 있습니다. 한 음표에서 크레센도와 디크레센도를 조절하는 능력을 키우는 훈련을 매우 중요하게 생각합니다. 이는 호흡과 음량 변화를 조절하는 능력을 훈련할 뿐만 아니라 음색의 ​​다양한 변화를 통해 소리를 편안하고 탄력 있게 만들어 줍니다. 예술적 표현을 풍부하게 하고 보컬 영역의 통일을 도모합니다. 소리의 크레센도와 디크레센도는 주로 호흡에 의해 조절됩니다. 즉, 목 근육보다는 호흡을 사용하여 볼륨 변화를 조절합니다. 부드럽고 숨을 쉬는 목소리로 고음을 부르는 것도 "두성"을 얻는 좋은 방법입니다.

유연성: 빠른 음계, 아르페지오, 스킵 또는 장식을 사용하여 연습하거나 컬러라투라의 다채로운 섹션을 사용하여 가수 목소리의 탄력성과 유연성을 훈련하는 것은 벨칸토 학교 교육의 중요한 부분입니다. 내용은 목소리를 편안하고 젊음의 활력으로 가득 차게 하여 노래 생활을 연장하는 데 도움이 됩니다.

음질 : 밝고, 풍부하고, 감미롭고, 금속성, 울림이 가득한 특별한 음질은 벨칸토 노래의 특징 중 하나입니다. 사람들은 종종 음질을 기준으로 학교의 정통성을 테스트합니다. 좋은 음성 품질은 좋은 성대 닫힘, 적당한 호흡 충격, 적당한 낮은 후두 위치, 적당한 연구개 들어올림, 활동적이지만 후두와 인두 근육의 경직되거나 긴장되지 않은 협력, 올바른 혀 위치 및 이완입니다. 턱과 입 모양, 자연스럽고 아름다운 노래하는 마음 등의 요소들이 조화롭게 어우러진 제품입니다. 이상적인 음질은 밝고 부드러우며, 강하면서도 편안하며 소위 "밝고 어두운" 상태입니다.

미세 떨림 노래할 때의 일반적인 미세 떨림은 초당 6~7회여야 합니다. 너무 빠르거나 너무 느리면 음성의 일관성이 파괴되거나 불쾌한 음질이 발생합니다. 너무 느린 미세 떨림은 목소리의 '흔들림'이라고도 하며 후두를 너무 낮게 누르고 목소리의 '깊이'나 큰 볼륨을 과도하게 추구하여 발생합니다. 목소리의 "흔들림"("양"이라고도 함)은 턱 근육의 긴장과 밝거나 심지어 "흰 소리"를 과도하게 추구함으로써 발생합니다. 노래할 때의 떨림의 속도는 노래의 내용과 감정과 관련이 있으며, 흥분할 때는 더 빠르고, 조용할 때는 더 느리고 안정감 있는 것도 예술적 표현의 강력한 수단입니다. 지난 4세기 동안 벨칸토의 창법과 창법은 시대와 작품의 발전과 함께 발전해 왔으며 오늘날에도 여전히 인기를 끌고 있다.

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3. 벨칸토·번역

인류 성악 예술 발전사에서 벨칸토는 가장 중요한 발전이다. 칸토는 '아름다운 노래'로 번역해야 하는데, 우리나라에서는 일반적으로 '벨칸토'로 번역된다. "Grove Music Dictionary", "Oxford Music Dictionary" 및 "Cihai"는 모두 이를 다양한 각도에서 자신만의 방법을 사용하여 설명합니다. "Cihai"는 "Bel Canto는 17세기 이탈리아에서 시작된 창법입니다. 아름다운 음악, 자유로운 목소리, 부드럽고 고른 소리의 연결, 유창하고 유연한 콜로라투라 장식 문구가 특징입니다."라고 말했습니다. 벨칸토는 창립 이래 수백년의 발전을 경험해 왔으며 심오한 의미를 담고 있습니다. 이는 과학적인 성악법일 뿐만 아니라, 오페라 발전에 있어서 중요한 역사적 시대, 음악양식, 창법을 대표하는 표준화된 창법과 기법을 통해 실행되는 성악훈련법이기도 하다. 또한 "벨칸토 학교(Bel Canto School)"라고도 볼 수 있습니다. 벨 칸토는 성악의 과학적인 학교로서 역사의 시험을 겪은 후 점차적으로 완전하고 체계적이며 과학적인 성악 방법과 창법을 형성했습니다. '벨칸토'의 탄생에는 다양한 이유와 전제조건이 있다.

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4. 벨칸토·역사

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1. 성가음악은 유럽에서 시작된 벨칸토의 싹이다. 벨칸토의 출현은 유럽음악의 발전과정과 밀접한 관련이 있을 뿐만 아니라 인류문화이념의 한 부분이기도 하다. 사회와 시대의 산물. 13세기 이전의 유럽음악은 모두 단성음악이었으며, 그 중 고대 그리스의 성악도 단성음악이 주류를 이루었으며, 독창, 합창, 선도창, 랩, 성가 등을 주로 사용하였다. 노래 형식 . 이 시기 맹인 시인 호머가 작곡하고 랩 형식으로 부른 『호머 서사시』, 『일리아스』, 『오디세이』 등 뛰어난 작품이 탄생했다. 이는 성악 표현의 비교적 초기 형태라고 할 수 있다. 고대 로마 제국의 지속적인 확장과 함께 유럽은 역사상 "중세"로 알려진 장기적인 교회 통치 시대에 접어 들었습니다. 교회 교리는 모든 이념 분야를 거의 독점했으며 노래도 다양한 종교의 부속물이되었습니다. 고대 로마제국의 확장은 영토의 확장을 가져왔을 뿐만 아니라 아시아, 아프리카, 유럽의 뛰어난 예술가들과 풍부한 음악문화를 음악계에 많이 불러와 로마를 최대의 음악 중심지로 만들었다. 당시 유럽.

당시 교회에서는 찬송을 부르고 성경을 낭송했는데, 이것이 합창의 최초 형태가 되었다. 교회에서 라틴어로 부르는 종교적 내용은 찬양받는 음악의 한 형태이다. 서기 590년에 교황 그레고리오 1세는 규례에 맞는 "장서(Chapter Book)"를 선택하여 개정했는데, 그 유명한 "그레고리오 시편"은 사실상 교회에서 부를 교리적 노래를 규정한 것과 맞먹는다. 시편은 유럽 성악 예술의 싹으로, 교회 분위기에 맞게 엄숙하고 엄숙한 노래를 요구합니다. 시편에는 낭창곡과 선율이 모두 있지만, 단지 단일 선율의 곡이기 때문에 지루합니다. 발전과 함께 가수들은 그것을 화려하고 매끄럽게 "재창조"하여 새롭고 더 나은 노래 방법을 형성했습니다.

성악이 유행하던 시기에 11세기 이후에는 음악 예술의 발전을 촉진하고 성악의 내용을 풍부하게 하는 일부 음악 형식이 등장했다. 당시 수공예품과 상업이 발달하면서 종교음악을 겨냥한 세속음악이 도시에 등장하기 시작했고, 이로 인해 삶과 세속적 정서를 반영하는 음악이 필요하게 되었다. 이후 음유시인, 사랑가수, 포크가수 등 전문 가수들이 속속 등장했다.

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2. 카스트라티는 가창력의 발전을 도모했다

13세기 중반 유럽음악은 점차 단성음악에서 벗어나 다성음악 시대로 접어들기 시작했고, 성악 역시 다부 합창의 형태를 띠게 되었다. 각각 소프라노(soprano)와 알토(Alto)로 구성되었으며, 성가선율은 테너(Tenor)가 연주하고 나중에 베이스(Bass)가 추가되었다. 성경의 고대 가르침에 "여자는 교회에서 잠잠하라"고 규정되어 있기 때문에 노래할 때 여자 ​​목소리는 남자 목소리로 대체되었습니다. 이 소년들은 거세된 소년 가수들로 성악 발전의 역사에서 '카스트라티'로 불린다. 이들의 등장은 유럽 성악 예술의 발전에 큰 공헌을 하였고, '벨칸토'의 초석을 놓았고, 오페라의 출현과 발전을 어느 정도 촉진시켰으며, 이들의 전성기는 벨칸토의 황금시대를 가져오기도 했다. 이미 4세기 초 이탈리아에서는 어린이들의 찬송가 부르기 위한 목소리를 훈련하기 위해 특별히 노래 학교를 설립했으며, 어린이들의 목소리는 나이가 들면서 음색이 변하기 때문에 여성들이 합창단에서 노래하는 것을 엄격히 금지했습니다. 노래에 필요한 아름답고 자연스러운 목소리가 이러한 비인도적인 '카스트라티' 현상의 출현을 가져왔습니다. 성대와 후두는 나이가 들고 육체적으로 성숙해도 변하지 않습니다. 카스트라토는 여성의 목소리와 남성의 체격을 갖고 있어 가성을 사용하지 않고도 기분 좋은 여성의 목소리를 낼 수 있습니다. 실제 여성 목소리만큼 부드럽지는 않지만, 화려하고 경쾌하며 밝은 음색과 넓은 음역대가 관객들을 설레게 한다. 카스트라토 가수들이 부상하고 대중화되던 시기에 그들은 여성 목소리를 몰아냈을 뿐만 아니라 노래계에서 남성 목소리의 지위를 어느 정도 찬탈할 뻔하기도 했다. 카스트라토는 거의 2세기 동안 유럽에서 인기를 끌었으며, 카스트라토 훈련을 전담하는 학교와 교육 기관이 있습니다. 이탈리아의 유명한 카스트라토인 파리넬리(Farinelli)와 카파렐리(Caffarelli)는 그 시대의 카스트라토의 예이며 그들의 노래 실력은 완벽의 지점에 도달했습니다. 이들이 유럽 성악의 수준을 한 단계 더 끌어올린 것은 의심의 여지가 없다. 18세기 말과 19세기 초에 이르러 유럽의 봉건제도가 흔들리기 시작했고, 사람들은 이러한 비인도적인 노래 현상의 철폐를 요구하는 동시에 여성들도 봉건의 족쇄를 깨뜨려야 한다고 요구했습니다. 이때 남성 성악도 '클로즈(close)' 기법을 사용하여 고음을 노래하는 능력이 향상되었기 때문에 18세기 말부터 카스트라토는 쇠퇴하기 시작했다.

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3. 오페라와 벨칸토의 출현

벨칸토의 발전은 오페라의 탄생과 밀접한 관련이 있다. 노래 예술에 맞춰 발전의 문화적 차원이 벨 칸토의 발전에 기여했습니다.

오페라 창작에 있어 몬테베르디는 감7화음을 최초로 사용하고, 전조와 반음계를 과감하게 사용했으며, 밴드 반주 측면에서는 현악기의 플러킹과 비브라토 기술을 개척했습니다. 베네치아 악파는 오페라를 사회에 선보이며 꽃을 곁들인 '콜로라투라'의 길을 걸었고, 화려한 가창력과 음향효과를 추구하며 뛰어난 가창력으로 무대에 등장해 열광의 물결을 일으켰다. 이 극적인 암송과 아리아는 벨 칸토의 노래에 더 큰 표현력을 부여했습니다.

로마 음악 학교: 작곡가 카발리에(Cavalier)는 원래 피렌체 출신이었으며, 이후 로마에 정착하여 로마에서 유명한 작곡가이자 로마 음악 학교의 대표자 중 한 사람이 되었다. 오페라라는 장르는 로마 음악파의 종교적 부속물이 되었습니다. 종교적인 분위기에 둘러싸인 카발리에는 봉건적 도덕성을 미화하는 우화적인 오페라 '영혼과 육체'를 창작했다. 그가 대표하는 로마 학파의 오페라 창작물은 주제와 형식이 피렌체 학파를 모방했지만, 노래는 종교적인 스타일에 국한되어 있다. 그러나 동시에 무대 설정, 설치 및 의상에서 화려하고 고급스러운 장면을 추구하는 고유한 특성도 있습니다.

나폴리 음악 학교: 17세기 후반 이탈리아 오페라는 나폴리 오페라 음악 학교로 대체되었으며, 이는 벨 칸로의 노래에 더 넓은 세계를 제공하기도 했습니다. 스카를라티도 포함해서요? A. Scarlatti는 재능 있는 작곡가이자 가수로서 Bel Canto를 새로운 발전 단계로 끌어올린 획기적인 오페라였으며 점차적으로 깨끗하고 아름다운 음질과 화려한 보컬을 강조하는 나폴리 벨 칸토 스타일을 형성했습니다. 효과. 동시에 그는 사회를 위해 많은 벨칸토 교사들을 훈련시켰습니다.

17세기와 18세기 벨 칸토의 노래 스타일은 다음과 같이 구체적으로 반영됩니다.

1. 가수는 가사를 깊이 있게 이해하고, 자연스럽고 단순하게 표현하려고 노력하며, 높은 수준의 예술적 표현을 추구해야 합니다.

2. 벨칸토의 요구사항에 맞춰 소리에 대한 미학적 개념을 배양하고, 감상을 향상시키며, 노래를 더 많이 만듭니다.

3． 노래에서는 호흡의 조절, 레가토(일관성), 음색의 아름다움이 특히 강조됩니다. 노래하는 음색의 변화와 감정 표현이 진지해야 합니다. 어려운 카덴차를 즉흥적으로 연주할 때는 엄격한 음정과 리듬, 부드럽고 유연한 음악, 편안하고 밝고 충만한 사운드 이미지가 필요합니다.

벨칸토가 성숙해짐에 따라 벨칸토의 다양한 발성 훈련 기술은 점점 표준화되어 왔으며 이는 주로 다음 6가지 측면에 반영됩니다.

1. 올바르게 호흡하십시오. 벨칸토는 노래의 기본은 호흡임을 강조하며 '호흡으로 목소리를 지탱하는 것'이 필요하다고 강조하고, 흉복부 호흡법을 긍정하며 노래하는 상태를 조절하기 위해 호흡상태를 조절한다는 생각을 내놓는다.

2. 정확한 공격. 벨칸토는 좋은 어택을 완성해야만 편안하고 부드러우며 밝고 둥근 소리를 얻을 수 있다고 믿어집니다. 좋은 공격을 위해서는 호흡을 올바르게 하고, 후두를 안정시키고, 생각을 집중하고, 정신적으로 준비를 충분히 하고, 적극적으로 성대를 닫아야 합니다. 유명 성악가 가르시아는 공격의 핵심 포인트를 구체적으로 정리했다. 혀는 평평해야 하고, 음정에 맞춰 정확하게 노래해야 하며, 미끄러지지 않고 꾸준해야 한다.

3． 사운드 일관성. Bel Canto는 음질을 일정하게 유지하고, 소리의 위치가 변하지 않고, 소리 간의 연결이 부드럽고 균일하며, 볼륨을 점차적으로 조절할 수 있음을 강조합니다.

4． 사운드 유연성. 18세기에는 콜로라투라 기술과 복잡한 장식적 가창이 더욱 주창되었기 때문에 벨 칸토는 성악의 유연성 훈련, 성대 발달, 목구멍 열기, 성악 조절 능력 발휘에 중점을 두어 더욱 빠르게 연습해야 한다. 음계, 빠른 프레이즈, 건너뛰는 소리 등이 필요하며 목소리는 명확하고 밝으며 정확해야 합니다.

5. 보컬 영역은 ***와 동일합니다. 사운드 존은 복잡한 기술적인 문제이며, 많은 전문가들은 이에 대해 나름의 이론적 견해를 가지고 있습니다. 그러나 성악 영역이 어떻게 나누어져 있든 벨칸토는 항상 가르칠 때 성악 영역을 통일할 것을 주장하며 성악 영역이 가르침의 핵심이며 성악 영역과 노래가 서로 보완적이라고 믿습니다. 균일하고 움직이며 관통하는 음색을 얻으려면 링의 위치가 상대적으로 안정적이고 정확해야 합니다.

6. 발음, 언어, 노래에 있어서 좋은 언어 습관을 가지고 있어야 합니다.

벨칸토는 언어의 각 모음의 발음이 명확하고 정확해야 하며, 노래의 모음 전환이 둥글고 매끄러워야 한다고 요구합니다. 그래야만 레가토의 원리가 조음과 언어에 진정으로 반영될 수 있습니다.

벨칸토는 오페라의 창작과 발전을 통해 점차 성숙해지고 발전하여 과학적인 성악체계로 거듭나고 있는 성가와 카스트라토의 뛰어난 창법을 차용하고 통합하고 있음을 알 수 있다. 세계 성악사에서 영광스러운 정점에 도달하는 것은 엄격하고 정확한 기술적 요구와 훈련, 감동적인 성악, 뛰어난 성악가들의 탁월한 기량에 달려있습니다. "벨 칸토"의 창법과 스타일로 인해 유럽 여러 나라의 성악 연주와 성악 교육에 빠르게 채택되어 발전 과정에서 점차 지역에서 국제으로 확장되어 독특한 창법을 형성했습니다. 성악. 성악 학교의 기술, 미학적 원리 및 교육학 이론.

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4. 벨 칸토 발전의 새로운 시대

카스트라토가 쇠퇴한 이유 중 하나는 그랜드 오페라의 부상이었습니다. 유럽의 르네상스 운동은 봉건주의와 신학, 금욕주의의 굴레를 깨고 개성을 해방시키는 계기가 되었고, 청년애는 사람들의 찬미의 주제가 되었고, 부르주아지의 물결은 봉건체제에 큰 영향을 미쳤다. 19세기에는 카스트라토라는 비인도적인 현상이 점차 금지되었다. 18세기 후반 대오페라의 주제는 대부분 개인의 해방을 요구하고 사랑의 주제를 서술하는 것과 불가분의 관계에 있으며, 사실주의적 창작방식을 옹호하였다. 왜냐하면. 이 오페라의 무대에서는 카스트라토가 여성역을 맡았던 창법이 점차 변화되어 남성이 여성역을, 여성이 여성역을 노래하는 새로운 창법이 확립되었다. 이는 유럽사에 있어서 중요한 전환점이 되었다. 오페라. 오페라 무대의 지속적인 발전과 번영에 대처하기 위해 테너 노래 기술의 도약을 달성하기 위해 200년 이상의 교육과 여러 세대에 걸친 장기적인 실무 탐구를 거쳐 "마스킹" 노래가 등장했습니다. 19세기에는 남성 성악이 안정된 고음을 얻을 수 있게 되면서 테너의 가창력이 질적으로 비약하게 되었고, 점차 오페라 무대에서 남성 주인공이 주인공이 되는 상황이 형성되었다. 19세기는 남성 성악의 황금기라 할 수 있는데, 가창력의 발달이든, 가창력의 대거 등장이든, 남성 주인공이 등장하는 작품이 대거 등장한 것 모두가 남성 성악의 전성기였다고 할 수 있다. 오페라에서 남성 목소리의 중요한 위치.

벨리니, 도니제티, 로시니로 대표되는 이탈리아 오페라는 물론 프랑스 오페라까지 모두 이 시대의 성악 수준을 반영하고 있다. 성악사에서는 이 시기를 '벨칸토의 발전'이라 부른다. 전성기". 19세기 이탈리아의 위대한 오페라 작가 베르디의 애국적 열정으로 가득 찬 오페라의 출현은 오페라 창작에 새로운 발전을 가져왔습니다. 성공적인 아리아 창작으로 인해 그의 목소리에 대한 요구 사항은 더욱 높아졌습니다. 탄탄한 노래 기술, 강렬한 감정 표현, 충격적인 드라마는 물론 서정적이고 부드럽고 유연하며 부드러워야 합니다. 마스카니가 대표하는 현실적인 오페라 가창력은 새로운 차원에 이르렀다. 바그너의 오페라는 오케스트라의 구성에 주목하는데, 이는 오페라에서 오케스트라 연주의 비중을 증가시킨다. 따라서 보다 선명한 가창 효과를 얻기 위해서는 배우들이 보컬 능력을 향상시키기 위해 노력해야 한다. 용량. 나날이 발전하는 오페라 무대에 적응하기 위해 벨칸토는 성악 기술에서 많은 비약을 경험해 왔다. 즉, 오페라의 발전은 성악의 발전을 촉진시켰다.

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5. 낭만주의는 벨칸토의 완성도를 높였다

19세기 초 유럽 문학과 예술에 새로운 경향이나 새로운 스타일이 등장했는데, 이것이 이른바 '낭만주의' 또는 '낭만주의 문학과 예술'이다. 경향". 낭만주의는 프랑스 부르주아 혁명 이후와 나폴레옹 독재 기간 동안 형성되었습니다. 낭만주의 문학과 예술은 당시 유럽 부르주아지와 소부르주아 지식인의 사회 생활에 대한 생각, 감정, 태도를 반영했습니다. 낭만주의 문학과 예술은 창작 방법과 작업 방식의 문제일 뿐만 아니라 복잡한 세계관과 예술관의 문제이기도 하다. 음악창작 측면에서는 1920년대 초반에 낭만주의가 형성되었다. "창립자는 오스트리아 작곡가 슈베르트와 독일 작곡가 베버입니다."

(장훙다오의 『유럽음악사』에서 발췌) 슈베르트의 창작에는 예술가곡, 교향곡, 실내악 등이 있고, 베버의 주요 창작은 오페라이다. 예를 들어, 낭만주의 작곡가들은 음악 창작 기술에 많은 혁신을 일으켰습니다. 주제의 음색에 서정적 요소를 강화하고 노래와 같은 음색을 악기 작품에 통합했습니다. 노래창작에 있어서는 가사가 대부분 유명 작가들의 시로 시가 풍부하며 시와 음악의 융합, 그리고 시가 내포하고 있는 내용이 충분히 표현되어야 하는 '시적 정신'에 주목하고 있다. 동시에 음악에서는 반주, 특히 반주가 강화되어 노래와 새로운 관계를 형성하고 예술적 이미지를 공동으로 형성하며 예술적 개념을 드러내는 것이 피아노 반주의 표현적 기능이자 역할이다. 가사의 미완성 의미를 표현합니다. 슈베르트, 슈만, 브람스 등의 작곡가로 대표되는 독일-오스트리아 낭만주의 예술가곡이 대두되면서 오페라 아리아 창법과는 다른 예술가곡 창법이 등장하게 되었다. 예술 노래를 부르는 것도 '벨칸토' 기술을 사용하지만 내용의 요구로 인해 노래 스타일과 기술 요구 사항이 오페라와 다릅니다. 첫째, 예술가곡의 내용은 대부분 낭만주의 시인들의 문학적 걸작들로 구성되어 있으며, 이들 시의 섬세한 정서와 낭만적인 수조, 우아한 문체를 표현하기 위해서는 고음역의 부드러운 성부, 반성부, 크레센도 기법이 필요하다. . 성악의 표현력을 풍부하게 합니다. 둘째, 예술곡은 피아노를 반주하는 경우가 많아 음량 조절이 필요하며 오페라의 강한 소리와 대조를 이룬다. 셋째, 예술곡 역시 실내악의 성격을 갖고 있으며, 드라마틱한 열정을 표현하는 데는 능숙하지 않고, 주로 서정적이다. 그 결과 다양한 음색, 명확한 발성, 섬세한 억양, 섬세함과 여성성을 강조하는 예술곡의 가창성이 형성된다. 독일의 가장 유명한 현대 미술가인 슈바르츠코프(Schwarzkop)는 이를 다음과 같이 높게 요약했습니다. 오페라를 부르는 것은 물감을 가득 채운 큰 붓으로 그림을 그리는 것과 같고, 미술가를 부르는 것은 매우 미세한 붓이 필요한 "꼼꼼한 그림"을 그리는 것과 같습니다. . 슈베르트로 대표되는 예술적 가곡의 출현은 유럽 가창창작을 새로운 영역으로 끌어올려 유럽 성악예술의 발전에 중요한 위치를 차지했으며, 오페라나 교회음악과 어깨를 나란히 하는 상황을 형성하기도 했다. 예술곡 창작이 활발해지면서 콘서트를 중심으로 활동하는 전문 가수들이 등장했다.

16세기 이탈리아 오페라의 부흥은 벨 칸토 악파의 성악 기법과 창법을 확립하고 발전시켰으며, 19세기 독일과 오스트리아 예술 노래의 부상과 번영은 오페라와는 다른 창법을 가지고 있으면서도 창안된 예술가곡을 전문으로 하는 가수들이 많다. 음악창작의 번영과 발전, 가요창작기술의 혁신과 발전은 연주, 성악, 음악교육의 진흥에 매우 중요한 역할을 한다고 볼 수 있다.

20세기 성악 무대는 백 송이의 꽃이 피어 각각의 주역을 맡아 다양한 창법과 장르가 공존하는 무대라고 할 수 있다. 이들의 경쟁은 다양한 창법을 탄생시켰고, 이는 벨칸토 창법의 과학성과 완성도가 높아져가는 모습이기도 하다.