영화의 발전 과정

(1) 1930 년대에 영화는 탄생하기 전 기술 준비 기간을 시작했는데, 발명기라고도 한다.

일찍이 1829 년에 벨기에의 저명한 물리학자 조셉 프라도 (Joseph Prado) 는 물체가 사람들의 눈앞에서 사라지면 그 물체의 영상이 사람들의 망막에 한동안 남아 있다는 것을 발견했다. 이 발견은 "시각적 체류 원리" 라고합니다. 이 원리에 따르면 프라도는 1832 년에' 마술판' 을 발명했다. 스턴트 트레이는 지그재그 용지함에 그려진 그림이 운동으로 인해 움직이도록 하거나 결과 모션 그림을 다양한 이미지로 시각적으로 분해할 수 있습니다. 미스터리 디스크' 의 출현은 영화의 발명이 과학 실험 단계에 진입했다는 것을 상징한다. 1834 년 미국 할나의' 이동식 비디오 디스크' 실험이 성공했다. 1853 년 오스트리아 장군 폰 우체티오스 (Von Uchetios) 는 이 발명품을 바탕으로 원본 만화를 슬라이드로 선보였다.

사진기술의 진보는 영화 탄생의 중요한 전제조건이며, 사진기술의 발전이 영화의 발명에 필요한 조건을 제공한다고 생각할 수도 있다. 일찍이 1826 년 프랑스 W Nieps 는 세계 첫 사진' 창밖의 장면' 을 성공적으로 촬영해 8 시간 동안 노출했다. 최초의 은반 촬영이 나온 뒤 사진 한 장이 30 분 정도로 짧아졌다. 감광 소재의 끊임없는 업데이트와 사용으로 촬영 시간도 단축됐다. 1840 사진 한 장 찍으면 20 분, 185 1 년. 젖은 팅크 주인이 만든 후 사격 속도가 1 초로 단축되었다. 이때' 모바일 사진' 촬영은 이미 클라우디, 두보스크 등의 실험적 촬영에서 성공했다. 1872 부터 1878 까지 미국 샌프란시스코의 사진작가 에드워드 마이브리지 (Edward Muybridge) 가 24 대의 카메라로 달리는 말 사진을 찍었다. 6 년 넘게 수없이 많은 촬영 실험을 거쳐 그는 마침내 성공했고, 그리고 그는 성공적으로 슬라이드에 전시했다. 제가 화면에서 말이 달리는 것을 보았습니다. 이에 영감을 받아 1882 년 프랑스 생리학자 말레는 연속 촬영 방법을 개선하여' 사진총' 을 성공적으로 시험제작했고, 또 다른 발명가인 존슨이 만든' 회전카메라' 를 바탕으로' 모바일 네거티브 연속 카메라',/Kloc-

1888- 1895 기간 동안 프랑스, 미국, 영국, 독일, 벨기에, 스웨덴 등에서 촬영과 상영 실험이 있었다. 1888 년 프랑스인 르노는 세계 최초의 애니메이션' 맛있는 맥주 한 잔' 을 촬영하기 위해' 광학 영화' 를 시험제작했다. 1889 년 미국 발명가 에디슨은 필름 카메라를 발명했고, 5 년간의 실험을 거쳐 필름 거울을 발명했다. 그는 뉴욕에서 그의 영화 영상을 발행했는데, 이것은 미국에서 센세이션을 일으켰다. 하지만 그의 영화' 야시경' 은 한 번에 한 사람만 볼 수 있고, 경마와 댄스 공연을 포함한 수십 피트의 필름을 한 번에 전시할 수 있다. 그의 영화' 거울' 은 영화의 연속 회전을 이용하여 행사의 허상을 만들었다. 가장 원시적인 영화 발명은 에디슨에 속해야 한다고 할 수 있다. 그의 영화' 거울' 이 중국에 들어오자' 서양거울' 이라고 불렸다.

1895 년 프랑스 형제 아우구스트 레미엘과 루이 레미엘은 에디슨의' 영화경' 과 그들 자신의' 연속 카메라' 를 바탕으로' 이동식 영화기계' 를 개발하는 데 성공했다. "이동식 필름 기계" 는 주로 사진, 상영, 인화의 세 가지 주요 기능을 가지고 있다. 초당 16 프레임 속도로 영화를 촬영하고 상영하며 이미지가 선명하고 안정적입니다. 3 월 22 일, 1895, 그들의 첫 영화' 유미엘공장 문' 이 파리 프랑스 과학기술대회에서 성공했다. 같은 해 14 년 2 월 28 일, 그들은' 기차 도착',' 물을 주는 정원사',' 아기의 점심',' 공장 대문' 등 자신이 제작한 다큐멘터리 단편 영화를 공식 공개했다 루미엘 형제는 처음으로 스크린에서 영화를 상영한 사람들이다. 역사가들은 루미엘 형제의 촬영과 상영이 이미 실험 단계에서 벗어났다고 보고 세계 영화의 첫 상영일을 1895 년 2 월 28 일로 정했다. 영화의 탄생일로 루미엘 형제는 자연스럽게' 영화의 아버지' 가 됐다.

(b)1896-1912, 영화는 어릴 때부터 빠르게 예술이 되었다.

초기의 영화는 아직 탄생의 흔적을 벗어나지 못했고, 저글링과 판타지 자세로 신기하게 느껴졌다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 영화명언) 류미엘은 뉴스, 여행, 다큐멘터리, 코미디 등 최초의 영화 장르를 개척했다. 열차가 역에 도착했을 때, 사람들은 땅에 무릎을 꿇고, 수도꼭지로 불을 끄고, 수도꼭지로 불을 끄고, 불을 끄고, 목숨을 구하고 부상을 돕는다. 류미에르 영화의 가장 두드러진 특징은 다큐멘터리로, 직접 현실 생활을 촬영하고 몰입감을 주며 현실주의 자연주의 영화 스타일의 선구자가 되어 영화의 다큐멘터리 전통을 형성했다. 류미에르의 생활에 대한 다큐멘터리 영상이 1 년 반 연속 방영된 후 사람들의 관심이 현저히 약해져 결국 아무도 묻지 않는 것은 시대와 자연주의의 한계로 인한 것이라고 말할 수 없다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 인생명언) (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 인생명언) 하지만 초기 딜레마는 영화의 대세에 영향을 주지 않았다. 또 다른 프랑스 영화 선구자인 조지 메이 리에이의 출현은 때마침 잘 맞았다. 그는 다큐멘터리' 동도' (영화라고도 함) 에서 예술영화로 영화를 변화시켜 영화 발전에 많은 창조적 공헌을 했다.

매이이는 정비사로서 기관, 기계, 무대 소품 전체를 만들었다. 화가로서 그는 무수한 세트와 의상을 만들었다. 마술사로서, 메이 리에이는 그의 풍부한 상상력을 이용하여 많은 새로운 스턴트를 창조했다. 작가로서 그는 끊임없이 새로운 연극을 창작한다. 배우로서 그는 그의 프로그램에서 중요한 역할이다. 감독으로서, 그는 작은 극단을 디자인하고 동원하는 방법을 알고 있다. 조지 사두르 (George sadoul) 는' 세계영화사' 에서 "메이 이아이천재의 특징은 대본, 배우, 의상, 메이크업, 세트, 기관 설비 등 대부분의 연극 방법을 체계적으로 영화에 적용하는 것" 이라고 말했다. 이 방면에 대한 그의 경험은 오늘까지 여러 가지 형식으로 영화에 보존되어 있다.

메이 리에이는 무대의 기계 장치를 사진 스턴트로 대체했다. 마찬가지로, 무성영화의 필요성 때문에 메이 이아이도 배우들을 위한 새로운 연기 기교를 발명했다. 이런 공연은 무언극과는 다르지만 과장과 제스처를 강조한다. 동작에는 신경을 많이 쓰고 얼굴 표정에는 신경을 많이 쓰지 않기 때문이다. 신데렐라' 는 메이 연극 영화의 대표작이다. 유럽의 유명한 동화 이야기를 각색한 이 영화는 각종 스턴트를 교묘하게 운용하여 호박을 자동차로 만들었다. 쥐를 마부로 바꾸는 것은 스턴트 촬영의 선구적인 응용이자 메이가 영화에 기여한 또 다른 공헌이다.

1902 년 메이는 쥘 베른과 HG 웰스의 유명한 공상 과학 소설 두 편을 원작으로 한 유명한 공상 과학 영화' 달의 여행' 을 연출했다. 이것은 그의 대표작으로 영화사에서 큰 영향을 미쳤다. 이 영화는 천문학자들이 점성가로 분장하여 달을 여행하는 판타지 이야기를 묘사한다. 그들은 낯선 기계 공장에 왔고, 몇 명의 아름다운 여수병들이 포탄 모양의 큰 비행기를 옮기고 있었다. 천문학자들이 들어갈 때, 그들은 달에 반사된다. 천문학자들은 비행기에서 나와 달 분화구 부근 평원의 기묘한 경치를 감상하고 있다. 미녀가 연기하는 스타신들에게도 인기가 있다. 날이 어두워지자 그들은 꿈에서 깨어나 달신, 거대한 버섯, 온갖 이상한 것을 본 큰 동굴로 들어갔다. 많은 위험한 우여곡절을 겪은 후, 그들은 포탄 비행기를 타고 지구로 돌아갔고, 이상한 해저 여행 후에 조각상 제막식을 마쳤다. 메이는 영화예술에 대한 공헌으로, 영화가 독립된 영상시청각예술이 되는 길에 큰 걸음을 내디뎠다.

이 기간 동안 포터를 언급하지 않고' 기차 강도 사건' 을 촬영할 수 없었다. 기차 강도 사건' 에서 포터는 처음으로 14 장면으로 영화를 찍었다. 그 전에 메이의 영화는 처음부터 끝까지 한 장면이었다. 기차 강도 사건' 은 여러 장면으로 영화 한 편을 구성한 것은 이번이 처음이다. (엄밀히 말하면 진짜 영화가 아니었다. 당시 카메라 변화가 없었기 때문이다.) 포터의 영화에는 클로즈업 장면이 있다. 영화 역사상 유명한 장면은 권총으로 관객을 겨냥한 것으로, 영화에서는 이미 초보적인 시도가 있었다. 하지만 이 장면의 심미 기능에 대해 자각적으로 알지 못했기 때문에 자발적으로 영화예술로 나아가기 시작한 무대일 뿐이다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언)

소리 없는 영화 단계에서 소련의 그리피스, 채플린, 아이젠스탄은 영화 발전에 큰 기여를 했다.

1908 년 데이비드 그리피스가 에디슨에 입사해 배우가 되고 감독이 되었다. 1908 부터 19 12 까지 그는 약 400 편의 영화를 연출했다. 고독한 별장' 에서 그는' 평행몽타주' 를 만들어 영화가 연극의 속박에서 완전히 벗어났고 영화의 시공간이 크게 확장되었다는 것을 상징한다.

이 시기에 미국에 등장한 브라이튼 학파도 영화예술 발전에 중요한 역할을 했다. 브라이튼 학파의 대표 인물인 윌리엄 폴은 피터 카델리 서커스단의 오토바이 공연에서 휴대전화 촬영을 성공적으로 활용했다. 윌리엄슨은' 중국의 교회가 불타버렸다' 에서 처음으로 추격과 구조의 극적인 장면을 성공적으로 활용해 양쪽 분할을 통해 줄거리를 긴장시키고, 이후 스릴러, 특히 미국' 서부영화' 를 위한 선례를 열었다. 브라이튼 학파의 또 다른 대표인물인 가 스미스는' 할머니의 돋보기' 와' 망원경의 장면' 에서 같은 장면의 원시적인 몽타주를 번갈아 사용했고, 클로즈업과 투시의 교체는 영화언어의 발전과 응용을 촉진시켰다. 또한 브라이튼 학교의 콜린스와 해브리지는 광부의 생활, 탄광 폭발 비극, 죄수 탈옥과 같은 실제 생활을 진정으로 묘사하는 영화를 제작했습니다. 이 시기에 세계 1 위 영화시티로 꼽히는 프랑스 만송은' 세계영화의 수도' 로 불리며 에미와 고먼 두 대 영화 제작사를 소유하고 있다. 1903 부터 1909 까지 세계영화사에서' 백대시대' 라고도 불린다.

1908 년 세계 제 2 영화관 할리우드가' 언니산 백작' 촬영 당시에도 규모를 갖추기 시작했다. 당시 사진작가 토마스 보슨스와 프란시스 보거스 감독이 지은 작은 스튜디오로 19 13 까지 규모를 갖추지 못했다.

(c)1913-1926, 머플러가 성숙해 가고 있다.

메이는 자신의 430 번째 영화를 촬영한 후 19 13 에서 영화계를 탈퇴하고 거리로 사망했다. 영화 예술의 발전에 큰 공헌을 한 후, 한 세대의 대가는 이렇게 세상을 떠났다. 메이의 몰락과 할리우드의 발흥은 영화가 유아기에 작별을 고하고 성숙기에 접어들었다는 것을 상징한다.

그리피스는 19 15 년 한 예술가의 용기로 고전 머작' 한 나라의 탄생' 을 촬영했고 19 16 년 동안' 한 나라의 탄생' 을 촬영했다 이 두 고전 영화는 영화예술의 기초작으로 불리며, 영화가 예술이 된 시작을 상징한다. 미국 영화사의 이정표이자 당시 영화의 최고 수준이자 세계 영화사에서 두 편의 고전 영화다.

그리피스의 불후의 공적은 메이 리에이 연극 영화의 낡은 풍속을 돌파한 것이다. 1 인으로서 그는 영화 촬영 과정에서 카메라를 움직이게 하며 영화언어를 크게 풍요롭게 하며' 클로즈업',' 동그라미',' 잘라내기' 등의 수법을 창의적으로 활용해 몽타주를 영화예술의 중요한 수단으로 만들었다. 그리피스는 멜리아이와 영국 브라이튼 학파 초기에 스턴트 사진 몽타주를 발견한 기초 위에서 평행몽타주의 교대 몽타주를 만들었다. 한 나라의 탄생' 에서 그는 자신의 특수 효과와 몽타주 언어를 충분히 활용했고, 영화는 당시 유럽과 미국 영화 예술 탐구의 성과를 집중적으로 보여 주었다. 이 영화는 광대하고 장대한 역사 장면에서 영화 예술의 시공간이 자유롭게 뛰는 역할을 잘 발휘하며 몽타주와 다중선의 대비가 번갈아 가는 역할을 하고 있다. 전체 영화는 1000 개 이상의 렌즈로 구성되어 있다. 각기 다른 장면의 전환과 유연한 촬영 기교는 그리피스가 영화사에서 과감하게 창조한 것이다. 영화에서 클로즈업, 클로즈업 등 다양한 장면의 조합이 활용돼 조화를 이루며 각자의 자리를 가지고 있다. "큰 시야" 와 같이, 그는 양군의 대치, 교전의 전쟁 장면을 표현하는 데 사용되었다. 그는 클로즈업으로 인물의 상세한 동작을 표현했다. Ku3KK 당의 달리는 말 장면을 촬영할 때 그리피스는 카메라를 트럭에 장착하고 달리는 말을 추적하여 긴장감, 실감, 생동감 있는 화면 효과를 거두었다. 1 년 후' 다른 그룹과의 충돌' 도 그리피스의 필생의 업적을 상징하는 영화로 고전 드라마의' 삼통일' 한계를 돌파하며' 다원법칙' 을 개척해 스크린 시공간을 개척했다. 영화는 여러 시대의 사건을 나란히 농축하여 영화 언어를 크게 풍요롭게 하고 평행 몽타주 언어를 풍부하게 발전시켰다. 이 고전은 영화사에서 중요한 위치를 차지하며 밀집된 리듬, 다채로운 화면, 휴대전화 사진의 미감, 웅대하고 개방적인 과감한 아이디어로 영화예술의 발전을 촉진시켰다.

이 시기에 영화는 이미 대중 여론의 예술이 되었다. 반면에, 이 시기에 영화는 이미 일종의 기업이 되었는데, 이때에만 영화가 진정한 예술품을 갖게 되었다. 미국 코미디 영화사 찰리 채플린도 무성 영화 시절 걸출한 영화 예술가였다. 19 14 년 첫 영화' 사랑 20 분' 감독. 그리고' 소나기 사이' 가 또 나왔다. 이 영화에서 방랑하는 샤를로의 이미지가 처음 등장했다. 샤를로의 이미지는 19 17 의' 안락거리' 에서 눈에 띄는 광채를 보여준다. 샬롯이 군대에 입대한 것은 채플린의 공연 예술의 성숙을 상징한다. 19 19 년 자금을 모아 공장을 건설하여 할리우드 최초의 진정한 독립 프로듀서가 되었다. 1920 년대에 그는' 골드러시' 로 대표되는 유명한 영화를 촬영했다. 채플린은 평생 80 편의 코미디 영화를 가지고 있었는데, 그중' 왕자 어벤져스',' 대독재자',' 베르던 씨',' 모던 시대',' 골드러시' 는 영구적인 매력을 가지고 있다. 채플린 영화의 가장 큰 특징은 선명한 현실감과 날카로운 풍자, 아속공유상의 대중화 특징이다. 사두르 씨는 그의 작품을 이렇게 평가했다. "채플린의 영화는 가난한 계급과 가장 순진한 사람들이 감상할 수 있는 유일한 영화이다. 동시에 최고 수준의 관중과 지식인들에게도 감상할 수 있다. "

소련의 유명한 영화사 셰게이 아이젠스탄은 무성영화 시절 몽타주 이론의 건립과 발전의 걸출한 대표이다. 1924 년 그는 첫 영화' 파업' 을 연출해 가무저글링 몽타주를 창의적으로 활용해 러시아 군경이 노동자를 학살하는 장면과 카메라 집단 학살 가축 장면을 연결시켜 번갈아 나타나게 하며 감동적인 은유를 만들어 냈다. 1905 년, 그는 세계영화사에서 가장 걸출한 서사시 묵영화' 전함 포장금' 을 연출해 1905 년 러시아 혁명을 대표하는 데 성공했다. 이 영화는 국제 영화상에서 많은 상을 받았다. 영화 속의 유명한 오데사 계단의 장면과 단락은 여러 세대의 영화 예술가들에게 영향을 미치는 고전적인 패러다임이 되었다. 1927 년에는 10 월도 연출했다. 아이젠스탄의 공헌은 몽타주에 대한 이론 서술과 예술 실천으로 그것을 완전한 미학 체계로 만드는 데 있다. 아이젠스탄의 예술적 특색은 그리피스에서 만든 평행몽타주 수법이 큰 걸음을 내딛었다는 것이다. 클로즈업으로 사물의 의미를 표현하는 데 능하다. 렌즈의 교차점을 이용하여 몽타주 리듬을 형성하여 인물의 내면의 감정을 드러내다. 몽타주의 은유 기능을 충분히 발휘하여' 시 영화' 의 전통을 형성하다.

(D) 1927- 1945, 영화는 예술로서 성숙해졌다.

1927 은 영화사에서 획기적인 해다. 영화' 재즈의 왕' 의 탄생은 유성영화 시대의 도래를 상징한다. 소리는 영화를 단순한 시각예술에서 시청각 결합의 화면 예술로 발전시켜 영화사의 혁명을 실현하고, 영화의 본질을 크게 발전시켜 영화예술을 위한 새로운 세계를 개척하고, 음향영화의 출현과 전파에 약 5 ~ 6 년이 걸렸는데, 그 이유는 인지적, 경제적, 기술적 때문이다. (존 F. 케네디, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 특히 무명 영화 시대의 미학 원칙에 집착하는 유명 영화예술가들은 새로 개봉한 유성영화의 약점에 대해 지나치게 까다롭다. 하지만 영화예술가들이 음향제어능력을 향상시킴에 따라 녹음장치와 기술조건이 개선되면서 음향영화는 정상적으로 발전할 수 있다.

소리가 영화에 들어간 후 몽타주는 그림의 조합일 뿐만 아니라 성화의 대위나 대립까지 뻗어 몽타주의 내포 수단을 풍부하게 했다. 소리 없는 영화를 대체하는 것은 영화 발전의 객관적인 법칙에 부합한다. 그 객관적인 필연성이 있다. 소리 영화의 탄생은 영화가 예술로 나아가는 시기를 상징하기 때문이다. 1933 이후, 기술의 발전으로 영화 제작중의 동시 녹음이 후기 녹음으로 바뀌었고, 영화 촬영은 유연하고 활기차게 변했다. 동시에 몽타주의 이론과 기술도 크게 발전했다. 소련 영화사 푸도프킨은' 탈영병' 을 촬영할 때 성대화 정렬, 대립적인 화외음 방식을 이용해 영화 효과를 높여 시청자들의 이목을 집중시켰다.

1935 년 포유동물은 세계 최초의 컬러 스토리영화' 허영의 세계' 를 제작했다. 컬러 영화의 발명은 영화 예술을 새로운 발전 단계에 진입시켰다. 소리와 색채가 영화를 자연에 더 가깝게 만든다. 일부 영화 제작자들은 한 영화에서 컬러 영화와 흑백 영화를 번갈아 사용하여 특별한 예술적 효과를 받는다.

컬러 영화의 출현은 영화가 탄생에서 성숙하고 성숙한 발전기로 발전한 것을 상징하며, 영화예술은 이때부터 새로운 발전 단계에 들어섰다.

(5) 1946- 1959 에서 영화예술은 중요한 발전기에 들어섰다.

이 시기에 세계 영화는 여러 가지 우여곡절의 발전 시기를 보였다. 전쟁이 끝난 후 한동안 미국 영화는 전 세계에서 냉대를 받았다. 전쟁이 끝난 후 소련과 동유럽 국가들은 사회주의 현실주의의 전통 궤도를 따라 천천히 발전하는 네 발 정립된 정당을 형성했다. 예술 창작은 교조주의와 저속한 사회학의 영향을 받아 돌파구와 진보가 거의 없다. 이 기간 동안 소련의 일부 영화사들은 감정적 충격력을 지닌 전쟁 영화와 어느 정도의 이미지 감화력을 지닌 전기 영화를 제작했다. 청년 근위대, 베를린 공략, 이북강, 미추린, 주코프스키, 우사코프 해군장 가입. 스탈린이 죽은 후,' 해동문학' 사조의 영향으로 소련 영화는 경직된 모델에서 벗어나기 시작했다. 1957 카라토 탁프' 남비' 이후 소련 영화가 또 발전했다. 영국, 프랑스, ​​독일, 이탈리아 등 서유럽 영화 강국은 당시 4 족 정립의 또 다른 극을 형성했다. 전쟁이 남긴 그림자와 경제적 어려움의 제약으로 서방 영화는 특별한 시기에 들어섰다. 어려움과 상대의 도전 속에서 그들은 움츠러들지 않고 서유럽 현실주의 영화의 번영과 발전을 자극했다. 동양에서는 일본, 중국, 인도 영화가 모두 장족의 발전을 이루어 세계 강국 대열에 잇따라 진입했다. 일본 영화는 동방에서 일찍 시작되어 제 2 차 세계대전 때 잘못된 길로 들어섰고, 전후 얼마 지나지 않아 다시 신입생을 얻었다. 특히 1950 년 흑택명의' 나생문' 이후 일본 영화가 세계의 눈길을 끌었다. 인도 영화도 1930 년대에 아주 좋고 좁은 발전을 이루었다. 이 시기에 접어들면서 이탈리아, 프랑스, 소련 영화의 영향으로 인도 영화는 럭셔리한 음악영화 추구에서 현실로 옮겨가고 있다. 1953 기간 동안 라즈 카풀 감독의' 유랑자' 와 비멜로예의' 2 무 땅' 등 영화는 인도 영화의 새로운 면모를 상징한다. 1955 년 인도는 일본 다음으로 285 편의 영화를 제작해 세계 2 위를 차지했다. 현재 인도 영화의 연간 생산량은 약 700 편으로 세계에서 가장 큰 나라이다.

이 시기에 이탈리아 신현실주의 영화는 세계 영화사에서 중요한 영향을 미쳤다. 신현실주의 영화센터의 대표 인물은 이탈리아 영화잡지의 반파시스트 평론가 바바 로산티스와 채티니이다. 기자와 작가의 젊은 감독은 주로 데시카, 로시니, 비스콘디, 리사니, 모첼리니 등 그들의 대변인이다. 그들은 현실적이고 유행하는 민족 이탈리아 영화의 건립을 요구했다. 그들의 슬로건은 "내 백성을 나에게 돌려줘" 입니다. 카메라를 거리로 가져가다. 그들은 작품의 진실성을 매우 중시하고, 장면과 디테일을 촬영감과 성의를 가지고 촬영할 수 있도록 노력하며, 기본적으로 로케이션과 실경을 사용하여 촬영한다. 문법과 몽타주 클립에 별로 신경을 쓰지 않습니다. 프로가 아닌 배우의 사용을 제창하면 배우가 공연에서 즉흥적으로 발휘할 수 있다. 대표작품은 주로' 로마 1 1: 00',' 자전거 도둑',' 게릴라',' 경찰과 도둑',' 땅이 기복이 있다',' 올리브나무 아래서는 평온할 수 없다',' 밀라노의 기적' 등이다 새로운 사실주의 영화의 특징은 소재가 이탈리아 현실 생활의 다큐멘터리 묘사가 많다는 것이다. 신현실주의 영화는 1950 년대 중반에 쇠퇴했지만 영화 예술의 발전에 매우 중요한 추진 역할을 했다.

(6) 1960 이후 세계 영화는 혁신 돌파에서 다양화로 발전했다.

이탈리아의' 신현실주의' 영화에 이어 세계 영화사에 제 3 차 혁신 운동이 나타났다. 이 영화 운동은 프랑스에서 시작되었다. 1959 의 새로운 물결 이후 프랑스 영화는 상업 영화 독점을 깨는 새롭고 효과적인 방법이 등장했다. 새로운 물결의 구호는 큰 스타가 되지 말고, 스타제를 깨뜨리고, 큰 가격으로 호화영화를 찍지 말고, 생활에 가까운 영화를 찍어야 한다는 것이다. 이 물결은 이미 전 세계를 휩쓸었고, 많은 나라에서 새로운 물결이 나타났다. 신파' 영화운동은 세계 영화 발전에서 더 많은 성취를 남기고 깊은 영향을 미치는 영화운동이다. 반전통을 기치로 비이성적인 특징을 지닌 이 영화 운동은 연극 영화에 더 큰 영향을 미쳤다. 영화 운동은 샤블로 감독의' 아름다운 세르게이와 코싱스' 개봉과 칸 영화제에서 트레버의' 400 회' 와 애륜 레이이의' 히로시마 사랑' 으로 인한 센세이션으로 시작된다. 영화의 예술적 특징은 영화가 새로운 풍격을 나타내고, 의식의 흐름과 플래시백 렌즈는 종종 일부 창작자들이 사용하며, 줄거리가 느슨하고, 많은 생활사건이 논리와 기교 없이 함께 편집되어 인물의 잠재의식 활동을 표현하고, 구조적 무결성이 부족하다는 것이다.

신파 후기 영화, 현실주의가 완전히 버려지고 영화는 광기, 신비, 퇴폐의 수렁에 빠졌다. 그 비이성적이고 비줄거리화 경향은 갈수록 심각해져서, 그로 인해 빠르게 쇠퇴하게 되었다. 그러나, 그 거대한 기세와 과감한 혁신을 돌파하기 때문에, 그것은 영화사에 큰 영향을 미쳤다. 감독의 중심 지위를 확립하고 강화하는 것은 물론 영화의 특징을 한층 더 발굴하고 영화의 어휘를 풍부하게 하며 이 시기 영화의 세계화 발전을 촉진시켰다. 영화 제재의 다양화, 영화 풍격의 풍부화, 영화 조류와 유파의 다양화와 개인화를 진정으로 형성하였다.

이 기간 동안 세계 영화 공업이 크게 발전했다. 라틴 아메리카, 극동, 아랍 세계, 흑아프리카의 영화조차도 장족의 발전을 이루었고, 과거에는 브라질, 아르헨티나, 멕시코가 세계 영화사에서 자리를 잡았다. 이 기간 동안 칠레, 쿠바, 볼리비아의 영화도 새로운 발전이 있었다. 이 시기에 홍콩 영화는 중남아시아 영화 시장을 가득 채우고 대륙 전체의 정세에 영향을 미쳤다. 그래서 이 시기에 세계 영화는 이미 과거의 네 발 정립에서 벗어나 세계화로 발전했다.

세계 영화의 발전에는 반드시 토론해야 할 두 가지 명사가 있는데, 하나는 할리우드이고, 하나는 오스카이다.

앞서 언급했듯이 할리우드 영화시티는 19 13 년부터 규모를 갖추기 시작했다. 사실 사진작가 토마스 보슨스와 프란시스 보그스 감독이 1908 년' 몬테키드 백작' 을 찍으러 왔을 때 이 작은 마을은 아름다운 풍경으로 할리우드라고 불리는데, 상록수 떡갈나무 숲을 뜻한다.

19 13 설립 이후 파라마운트, 미고메, 폭스, 글로벌, 워너 등 대형 제작사가 전 세계적으로 영화 제작과 영화 발행 및 발행을 주도하고 있다. 동시에, 그것은 또한 세계 각지의 감독과 배우들을 끌어들여 그곳에서 영화와 공연을 촬영하여 미국의 번영하는 영화도시로 만들었다.

할리우드는 미국 영화 제작의 주요 기지이다. 제작된 영화는 75 가지 유형으로 나눌 수 있는 것으로 집계됐다. 그중에는 우리가 잘 아는 탐정영화, 서부영화, 뮤지컬영화, 코미디 영화, 스릴러, 공상 과학 영화, 서정이 있다. 이 제작사들은 영화에 막대한 투자를 하여 영화업계를 미국의 대규모 산업으로 만들어 세계 영화의 패주를 이루었다.

할리우드 영화는 모두 흥행 가치 수입을 지향한다. 프로듀서는 "돈 많은 곳에 불을 놓아라", "관객이 숭배하는 얼굴에 카메라를 맞추라" 는 요구로 더 많은 돈을 벌 수 있는 방법에 관심이 있다. 그래서 할리우드 영화는 일반적으로 상업적으로 큰 성공을 거둘 수 있다. 이 영화들은 극적이며, 다양한 생활에서의 다양한 경험을 짜고, 짜임새가 치밀하고 우여곡절이 있으며, 캐릭터가 복잡하고 독특하며, 줄거리에 오해와 우연의 일치가 자주 있다. 전설적이고 낭만적이며, 매우 자극적이고 관상성이 있어 오락의 감각체험과 심리적 요구를 만족시킬 수 있다.

대중마 원작을 각색한 첫 번째 머작' 크라이스트산 백작' 은 1908 년 할리우드 황야에 세워진 초라한 초막에서 촬영됐다. 누군가 할리우드의 기년으로 19 13 을 사용했는데, 당시 파라몬이 할리우드에 스튜디오를 세웠을 때, 당시 미국의 위대한 감독인 시보 데미르가 와서' 결혼' 을 촬영하고 스튜디오를 다시 확장했기 때문에 사람들은 이 날을 할리우드의 생일로 기억할 것이다.

1930 년대와 1940 년대는 할리우드의 황금시대였다. 이 기간 동안' 바람과 함께 사라지다',' 나비몽',' 파란교',' 코메디 마스터 채플린의 대표작' 모던 시대',' 대독재자' 와 같은 대표작이 많이 생겨났다. 이 영화들은 할리우드 고전으로 여겨질 뿐만 아니라 세계 영화사에 휘황찬란한 한 페이지를 더했다. 이에 따라 세계 시청자들은 채플린, 보가, 가보, 테일러, 로렌스, 조안 폰던, 잉그리드 버그먼 등 스크린에서 색다른 인물을 형상화한 스타들을 익히기 시작했다.

자본주의 경제의 기형적인 발전과 함께 할리우드도 각종 위기, 인플레이션, 제작비용의 대폭 증가, TV 업계의 경쟁, 시청자의 심미 기준의 변화로 한때 할리우드를 저조하게 만들었다. 어떤 회사들은 손해를 보고, 어떤 회사들은 아예 다양화하여 스튜디오를 여행과 전시장으로 만들었다. 1970 년대까지 영화인들이 유럽 프로듀서 제도를 채택한 후에야 할리우드는 슬럼프에서 벗어났다. 동시에 제작진은 새로운 과학기술을 도입하여 입체 와이드 스크린 등 영화 형식을 창조했다. 일부 제조업체들은 TV 와 적이 되어 할리우드를 TV 업계의 일원으로 삼았기 때문에 영화업계가 번영할 수 있게 되었다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, TV, TV, TV, TV, TV, TV)

오스카에 관해서는 매년 3 ~ 4 월 태평양에 있는 미국 유명 로스엔젤레스 음악센터의 영화배우들이 모여 미국 영화예술과 과학대학에서 열리는 오스카 시상식에 참가하는 것으로 알려져 있다. 이 연례 시상식은 미국 영화계의 성대한 행사일 뿐만 아니라 세계 영화계의 성대한 행사이기도 하다.

미국에서는 가장 유명한 영화예술상이 두 개 있는데, 하나는 외국 기자가 수여하는 골든 글로브이고, 하나는 오스카상이다. 비교하면 금상장 상은 미국 영화계의 최고 영예이기 때문에 더욱 흥미진진하다. 일단 그것이 주도권을 잡으면, 그것은 백 배의 가치가 있을 것이다. 그래서 이 상의 경쟁은 상당히 치열하다.

오스카상은 왜' 오스카' 라는 이름을 지었습니까? 금상 설계부터 시작해야 한다. 금상 조형은 미고메이의 예술가 세드릭 짐스가 구상한 것으로, 이후 젊은 조각가 조지 스탠리 (George Stanley) 가 1928 년에 제작했다. 이 금상의 주체는 필름에 서 있는 남자로, 손에 무사의 검을 들고 있다. 그는 길이 34.5 cm, 무게 3.45 kg, 소재는 구리 기반 합금이다. 조각상은 황금색이기 때문에 금상으로도 불린다. 그것은 193 1 에서 오스카로 명명되었고 금상 수여는 순전히 우연이었다. 시상을 앞두고 심사위원들이 금상을 함께 논평하고 있었다. 당시 문리학원 사서인 마가렛 헤리치는 "아! 그는 정말 우리 삼촌 오스카와 닮았다. " 그래서 문리학원 직원들은 금상을 오스카라고 불렀는데, 그 이름도 세상에 널리 알려지게 되었습니다.

오스카상 탄생한 지 73 년이 넘었다. 우리는 미국과 세계 영화 산업의 급속한 발전을 볼 수 있다. 오스카상은 원래 2 년마다 한 번씩 선정될 예정이었는데, 1934 부터 1 년에 한 번까지 확장되었다. 처음에는 규모가 그리 크지 않았고, 행사는 영화계로 제한되었고, 선정된 소식도 로스앤젤레스 타임즈에만 게재됐다. 1953 이 되어서야 처음으로 TV 매체를 통해 전국에 생방송으로 시상하는 전 과정을 동시에 외국 영화상을 추가했다. 이로써 오스카상 선정은 이미 세계가 주목하는 큰일이 되었다. 오늘날, 위성을 전파 매체로 하여 오스카 금상장 선정은 누구나 다 알고 있다고 할 수 있다. 1989 년 3 월 30 일 6 1 오스카 시상식이 할리우드에서 성대하게 열렸다. 사회자는 전 세계 9 1 국가의 10 억 관객이 생중계를 처음 본 구소련 관객을 포함해 위성을 통해 시상식을 시청한다고 즉석에서 발표했다.

요컨대, 이 영화는 제 2 차 세계대전이 끝난 이래 기술적으로 상당히 완벽하고 예술적으로도 상당히 성숙했다. 중국 영화이론가 샤오는 그의' 서구 영화사 도론' 이라는 책에서 영화가 100 년 발전 중 4 단계로 나뉘어 연구할 수 있다고 제안했다.

첫째, 형성기 (1895- 1927

두 번째는 발전기간 (1927- 1945) 입니다. 20 년도 안 되어 영화는 목소리와 색채를 얻었고, 영화예술에 필요한 모든 표현 요소를 갖추었고, 사람들은 무음 영화에 반대하는 경험을 총화하기 시작했고, 소리와 색채를 활용하고, 영화 영상표현의 잠재력을 발굴하는 등 진지한 연구와 실험을 진행했다.

셋째, 성숙기 (1945), 영화는 제 2 차 세계대전이 끝난 후 이미 기술이 완비된 단계에 이르렀고, 이후 기술 발전은 더 이상 예술적 표현에 큰 영향을 미치지 않는다. 그 이후로 영화는 예술 완벽의 단계에 들어섰고, 다른 예술과의 관계에서도 과거의 단순한 모방과 흡수에서 주는 단계로 접어들었다. 게다가, 더 주목할 만한 것은 영화는 더 이상 단순한 오락이 아니라 엄청난 사회적 영향력을 지닌 예술 분야라는 점이다.