콜라주는 어떻게 탄생하게 되었나요?

1910년 브라크는 <바이올린과 주전자>라는 제목의 정물화 위에 못을 사실적으로 그려 그림이 마치 나무에 걸려 있는 것처럼 보이게 만들었다. 이 못은 보통 수준이다. 당시 언론에서는 이를 맹렬히 공격했다. 그러나 이러한 계획은 입체파 화가들에 의해 모방되었습니다. 이후 브라크는 문자와 숫자를 모티브로 그림에 도입했고, 실제처럼 보일 수 있는 인조 나무와 인조 대리석도 그림에 그려 넣었다. 나중에 그는 단순히 한 단계 더 나아가 실제 사물(보통 종이, 나무 조각 등)을 사진 위에 직접 콜라주했습니다. 이로써 종합적인 입체파 회화언어인 콜라주가 탄생하게 되었다.

브라크의 콜라주 창작은 1912년에 시작되었습니다. 그는 일련의 콜라주된 추상 그래픽을 통해 그림의 구성을 강화하려고 노력했습니다. 그의 제작 과정은 점점 간결해지고 대담해지고 있으며, 작품의 효과는 더욱 직접적이고 명확해지고 있다. 그는 추상에서 시작하여 천천히 형상으로 옮겨가며 중첩된 추상 형태에서 자신의 주제를 찾습니다. 그의 콜라주는 종이 외에 다른 재료를 거의 사용하지 않습니다. 흔히 예술성이 없다고 여겨지는 이런 종류의 재료는 브라크의 '건축 회화' 창작에 큰 편리함을 가져다준다.

1913년에 작곡된 브라크의 <클라리넷>은 그의 콜라주 걸작이다. 그는 나뭇결 종이, 신문, 색종이를 사용하여 그림 중앙에 단순한 모양의 그룹을 콜라주하고 연필을 사용하여 모양 그룹 주위에 선과 그림자를 그렸습니다. 여기에는 객관적인 사물과 주관적으로 생성된 요소가 서로 통합되어 놀랍지만 설득력 있는 모델링 가치와 친밀감을 선사합니다. 이 단순하고 엄격한 그림 구조 속에서 종이 조각이든 가볍게 그려진 선이든 모든 시각적 요소가 상징이 되었습니다. 이러한 선은 잘라서 붙여넣는 그래픽에 약간의 지원과 의미를 부여하고 심지어 사람들이 그 선에서 영적인 의미를 인식할 수 있게 해줍니다. 작가는 콜라주를 통해 잊혀진 표현 요소, 특히 재료와 색상에 대한 미적 감각을 관객에게 드러낸다. 이는 분명히 분석적 입체파의 스타일과는 매우 다릅니다.

이 작품은 또한 그림의 공간을 제어하고 처리하는 브라크의 놀라운 능력을 보여줍니다. 큐비즘 작품 분석에서 공간처리가 역동성과 생명력을 보여준다면, 오늘날의 소위 종합적 큐비즘 탐구에서 그의 그림의 결합은 기이하면서도 안정된 정적인 경향을 보여준다. 그림 속 인물들은 모두 그림의 중심을 향해 모인다. 화가는 종이 콜라주로 이루어진 그래픽군을 둘러싸기 위해 가벼우면서도 매우 명확한 선을 사용함으로써 그림의 구심력을 더욱 강화시켰고, 이 구심력은 한계를 뛰어넘는 모든 움직임을 효과적으로 차단하여 어떤 디테일도 만들어낸다. 자신의 역장 밖에 있으면 반환됩니다.

레제는 입체파 운동에 완전히 관여한 인물은 아니었지만 의심할 여지 없이 그 운동의 핵심 인물이었다. 그의 작품은 주제와 이미지 모두에서 현대 산업과 밀접하게 연관되어 있다. 문명과 관련된 그림들은 입체파 회화에서 볼 수 없는 선명한 형태와 밝은 색상을 가지고 있습니다.